Artistas Sobrevalorados - Capítulo 4: Fleetwood Mac

La historia de Fleetwood Mac es la más similar en el mundo del rock a la protagonizada por Génesis, ya referida en el anterior post, pues lo que en principio era una banda de blues británica formada en 1966 luego se convertiría en una especie de banda pop californiana a mediados de los años 70, hasta su disolucion a principios de los 90.

Fue tal el cambio de músicos y estilos en Fleetwood Mac que puede hablarse incluso de tres grupos distintos, el Fleetwood de blues tradicional, el Fleetwood rock y el Fleetwood pop. No obstante, a traves de sus multiples encarnaciones, los unicos miembros originales de Fleetwood Mac que estuvieron siempre en la banda fueron el baterista Mick Fleetwood y el bajista John McVie, que justamente es la seccion ritmica que dio nombre a la banda (paradojas del destino, ya que ellos fueron los miembros que menos influenciaron la direccion musical de la banda a lo largo de los años).

El decir que Fleetwood Mac ha pasado por mucho, no contaría ni la mitad de su historia, pues ha existido fama y fortuna, pero también ha habido adicciones destructivas, líos de dormitorio y traiciones. Es más, si la banda hubiera sido un solo individuo, cualquier psicólogo haría el diagnosis de personalidades múltiples. En definitiva, pocas bandas en la historia del Rock han sufrido tantos cambios de formacion y tantos virajes estilisticos como los camaleonicos Fleetwood Mac. Veamos, por partes.

Fleetwood Mac se formó en 1967 a partir de la unión de Green, Fleetwood y McVie, quienes habían dejado los “Bluesbreakers” de John Mayall, inspirados por el éxito de Cream, los Yardbirds y Jimi Hendrix. La formación del cuarteto original la completaba el guitarrista Jeremy Spencer, y más tarde, Danny Kirwan. El aporte de Spencer y Green fue clave para que la banda desarrollara un sonido de blues psicodélico, de modo que por el perfil de estos músicos no sorprendió a nadie que los primeros dos álbumes, Fleetwood Mac y Mr. Wonderful, ambos de 1967, estuvieran cargados de blues (mención aparte merece “Black Magic Woman”, del segundo disco, escrita por Peter Green y que más tarde se convertiría en éxito de la mano de Santana).

Llegados a 1969 Fleetwood Mac empezó a dar señales de cambio, pasando del blues tradicional a un blues más progresivo. Ese paso se dio con el lanzamiento de los discos “English Rose” y “Then Play On”, disco este último que verdaderamente marcó el sentido del rock-blues progresivo. Las composiciones de Green, “Man of the World” y “Oh Well”, estuvieron en lo más alto de las listas británicas, y supusieron sus mejores trabajos: de hecho fueron cumbres compositivas que nunca más volverían a repetir.

No obstante, cuando todo parecía ir sobre ruedas, la etapa dorada de Fleetwood empezó a cambiar cuando el estado mental de Peter Green flaqueaba cada vez más, agudizado por el consumo de alucinógenos. En 1970 decidió dejar la formación, y fue reemplazado por Christine Perfect, vocalista que tenía sus seguidores en Inglaterra luego de haber cantado para Spencer Davies. Después de las salidas de Green a mediados de 1970 y de Spencer en 1971, los miembros restantes se inclinaron por hacer una música más sencilla y adecuada al gusto popular (¿de qué me sonará a mí esto?). Es en este momento cuando nace la segunda formación, de la mano como se ha dicho de Christine Perfect y Bob Welch , sin duda este último el auténtico motor que condujo al grupo por nuevos rumbos, no siempre afortunados, bien es cierto.

De esta nueva agrupación resultaron aún dos excelentes discos como “Future Games” (1971) y “Bare Trees” (1972). Los años siguientes también fueron testigos de más cambios en la banda, cuando a Fleetwood Mac se une en 1973 Dave Walker como cantante y Bob Weston, quienes ayudaron a grabar “Penguin” y “Mystery to Me” de 1974. Tras la salida de Weston, el ya cuarteto editó “Heroes Are Hard To Find” a finales de ese año, cerrando de nuevo una etapa de un modo al menos digno.

Finalmente, la tercera y definitiva versión de Fleetwood Mac se formó en 1975 cuando se integraron Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, siendo esta formación la más duradera de las tres anteriores, y sin duda la de mayor éxito comercial, pero la menos creativa y la más acomodada. Buckingham y Nicks componían música comercial e intentaban al mismo tiempo hacerla sonar innovadora, algo que lograron en muy pocas ocasiones.

En 1975 publican un disco que fue el verdadero empuje que necesitaban para transformarse en la bandera del rápidamente creciente mercado de la radio FM. El homónimo Fleetwood Mac (donde se incluyen los éxitos Rhiannon y Over My Head) era una mezcla de cinco individuos descubriendo los aspectos positivos de cada uno. Pero aunque Fleetwood Mac había logrado el éxito comercial largamente añorado, el grupo se estaba desarmando detrás de bastidores. Los McVies se divorciaron en 1976, mientras que la relación entre Buckingham y Nicks terminó al poco tiempo. Por supuesto, las historias que la prensa relataba sobre el grupo entrando y saliendo de relaciones entre ellos fue usado en el título de lo que fue, hasta ese momento, el álbum más vendido de todos los tiempos: “Rumours”. Su disco más popular llegó a vender más de 17 millones de discos ese año, y su primera cara contenía ya tres números uno: Dreams (versioneada más tarde por las inefables The Corrs), Don't Stop y Go Your Own Way.

“Rumours” fue escrito en base a las relaciones amorosas que se estaban desmoronando en ese mismo instante. El álbum es una suerte de relato pasteloso sobre los problemas del amor en medio de unos años setenta en que el amor se “liberó”. “Rumours” es probablemente por ello el fenómeno de masas más importante de la historia del rock, del que se extrajo una cosecha de éxitos sin precedentes, aunque a la vez quizá sea el disco más sobrevalorado, pues se ofrecían los puntos de vista de los hombres y las mujeres con una particularísima demagogia de andar por casa.

Detrás del disco vino una intensa gira durante la cual (como suele suceder en estos casos, cuando la euforia del momento impide ver más allá) Fleetwood Mac era considerado el mejor grupo del mundo. En efecto, aún a día de hoy el LP ha contribuido decisivamente a que como grupo Fleetwood Mac haya colocado más de 70 millones de copias de sus discos, siendo en cambio absolutamente olvidados sus prometedores inicios.

En 1979 Fleetwood Mac produjo el doble álbum “Tusk” en 1979, y aunque si bien es cierto que no vendió tanto como el LP anterior, produjo dos sencillos como “Sara” y “Tusk”, canciones en las que se notaba cómo se empezaba a generar un nuevo tipo de música, aún incluso más banal que la anterior y descaradamente comercial, orientada al mainstream sin tapujos de ningún tipo.
Luego de la gira, vino un período de descanso de tres años en los cuales se empezaron a desarrollar carreras en solitario. La más destacada fue la de Stevie Nicks, que empezó a minar la popularidad de la banda, mientras que Buckingham y Fleetwood apenas lograron darse a conocer con sus proyectos. Durante los ochenta Fleetwood Mac lanzó “Mirage” en 1982 y “Tango in the Night” en 1987. “Mirage” fue un éxito rotundo empujado por “Gipsy”, justo cuando el grupo descubre los milagros que puede generar la MTV cuando uno está de su lado. No obstante, sus componentes estaban concentrados en sus respectivas carreras individuales y no estaban interesados en seguir de gira, lo que precipitó la salida de Buckingham, Nicks y Christine McVie propiciadas por el uso y abuso de las drogas y por el inacabable desarrollo de sus enorme egos. Después de “Tango in the Night” Buckingham dejó el grupo cansado de las limitaciones musicales del grupo, dándose cuenta muy tarde que hacer el ridículo por dinero no era tan buena idea.

No obstante, en 1997 los integrantes de la tercera formación de Fleetwood Mac (las dos anteriores no interesaban al gran público y no eran rentables) al oler dinero fresco hicieron de tripas corazón y dejaron a un lado sus diferencias, reuniendose para celebrar el 30 aniversario del grupo. Para celebrar tamaño acontecimiento grabaron un especial con MTV (cómo no) titulado “The Dance”, cuyo disco llegó a lo más alto de las listas del Billboard. Por último, en 1998 Fleetwood Mac fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, además de recibir un premio por su aporte musical en los premios Brits de Inglaterra, galardones que no hacían sino poner el epitafio al grupo que tuvo el dudoso honor de componer las más lánguidas paginas del pop para consolar a las cansadas tribus del post-hippismo.

Artistas Sobrevalorados - Capítulo 3: Génesis (Era Collins)

Genesis es un grupo que ha despertado odios y pasiones a partes iguales, quizá porque sus dos etapas claramente diferenciadas estilísticamente suscitan constantes divisiones entre criticos y aficionados. De hecho, podríamos haberlos incluido sin dudarlo en otra clasificación, "Artistas infravalorados", y no en la de los sobrevalorados, y aún la diferencia no estaría del todo clara. Un grupo peculiar, principalmente porque designar bajo el mismo nombre a una banda con estilos tan opuestos nunca fue buena idea, como demostró el tiempo. Veamos por qué.

Como se ha dicho hay dos etapas, casi antagónicas, en la vida de Génesis: la "Era Gabriel" (por ser su líder Peter Gabriel) y la "Era Collins" (por comandarlos Phil Collins).

En la primera etapa, Génesis fue considerada una de las referencias clásicas del género sinfónico. Surgidos a finales de los sesenta, durante la primera mitad de la década siguiente el quinteto formado por Tony Banks (teclados), Phil Collins (batería), Peter Gabriel (cantante), Steve Hackett (guitarras) y Mike Rutherford (bajo) nos dejó joyas como 'Selling England by the pound' (1973), considerado uno de los mejores álbumes progresivos de la historia, o 'The lamb lies down on Broadway' (1974), doble disco conceptual que desarrolla una historia de intensa trama existencial. Pero eso es otra historia que veremos en otra ocasión con mayor profundidad.

Génesis: los buenos. Phil con barba.

Así, tras la marcha del cantante Peter Gabriel en 1975 y del guitarrista Steve Hackett en 1977, la banda reorientó su música bajo el liderazgo de Phil Collins hacia coordenadas pop-rock, aunque en un primer momento aún con un cierto sustrato sinfónico, presente en algunos instrumentales de la época. En ese período de transición, dos álbumes como 'A trick of the tail' (1975), ya sin Gabriel, y 'Wind wuthering' (1976), el último disco con Steve Hackett, mantuvieron el tipo pero supusieron el paulatino adiós a su época dorada, paradójicamente la más creativa y brillante pero la menos reconocida en relación a la música que vendría a continuación.

Génesis: los malos, pero con más millones. Quién os ha visto y quién os ve

Collins entonces toma decididamente la riendas sustituyendo al insustituible Peter Gabriel y con '...And then there were three' (1978) hasta 'Calling all stations' (1998) comienza una serie de despropósitos musicales a cada cual más gordo, e induce al grupo a claudicar ante el mandato comercial en una bajada de pantalones sin precedentes en la historia de la música rock. En efecto, desde 'Duke' (1980) los álbumes posteriores se centraron en un pastiche pop-rock a gusto del consumidor. Sí amigos, es triste, pero la época del triunfo comercial de Genesis se desarrolló en los discos 'Abacab', 'Genesis', 'Invisible touch', 'We can´t dance', y los directos 'Three sides live' y 'The way that we walk' (I y II). Collins, quién dedicó buena parte de los ochenta a producir canciones melosas e innecesarias para el deguste de los yuppies más repelentes, trasladó su visión musical a su grupo madre y consignó la persitencia del rock como ilusión de rebeldía.

A partir de ahí, el paulatino peso de la carrera solista de Phil Collins precipitará su marcha tras la gira de 'We can´t dance'. Tras la partida del ínclito en 1996, Banks y Rutherford intentaron seguir en la brecha con el cantante Ray Wilson sacando "Calling all sations" (su disco menos inspirado, sin duda), con escasa repercusión comercial, así que deciden claudicar y poner fin a la historía.

En fin, como conclusión: es conocido que algunos músicos de los sesenta y setenta han tenido una buena vejez, y en ciertos casos incluso han mejorado sus composiciones. Algunos rebajaron drásticamente su calidad pero siguieron dignamente hacia adelante, y otros músicos (como el caso que nos ocupa) fueron mermando su estilo y nivel musical hasta límites absurdos, siendo imposible identificar la música que hacían anteriormente con lo que realizaron. Qué le pasó a Phil Collins por la cabeza para llegar a olvidarse de un pasado tan importante como batería del grupo Génesis en los setenta es algo que dista de nuestro entendimiento, ya que Phil destruyó primero al grupo (haciendo de su etapa de los ochenta totalmente prescindible) y luego se destruyó a él mismo.

¿Esto es todo? No. En los últimos días Génesis han confirmado que se reúnen en 2007 para una serie de conciertos destinados a nostálgicos, aunque repasando sólo su etapa ochentera. En fin, recemos para que no pasen cerca de aquí. Por el bien de nuestros bolsillos y nuestros oídos.

Artistas Sobrevalorados - Capítulo 2: U2

Continuando con la serie que nos ocupa, vamos con 1, 2, 3, 14!, es decir, con U2, grupo irlandés de éxito mundial formado por Bono (Paul Hewson) como cantante, The Edge (David Evans) a la guitarra, Adam Clayton en el bajo y Larry Mullen a los tambores.

Para hacer un breve repaso por su carrera, señalaremos que U2 comenzaron su andadura musical en 1979 con 'Boy', disco recibido con moderado entusiasmo tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos. A finales de 1981 publican un nuevo album, October, disco que se convirtió en un relativo éxito de ventas. Estos primerizos trabajos de U2 a comienzos de los 80 contenían letras de temática religiosa y alguna que otra canción-denuncia contraria a la sociedad hipócrita de los adultos, aspecto que atrajo a no pocos fans identificados con aquellas proclamas.

No obstante, a U2 les costó muchísimo trascender mas allá de su tierra natal, y de hecho sólo se les empezó a tener en cuenta con su tercer disco, 'War', de 1983, primer disco que hablaba explícitamente del conflicto de Irlanda del Norte. Precisamente uno de sus temas bandera, 'Sunday Bloody Sunday', indicaba a las claras esta postura abiertamente política, y de ella se llegaron a vender millones de copias en todo el mundo. Rápidamente el álbum obtiene la categoría de disco de platino en muchos de los países donde es editado, lo que provoca que la banda pase de actuar en pequeños teatros a tocar en estadios para albergar a sus fieles. Aunque serían precisamente estos mastodónticos recitales los que harán que poco a poco el grupo pierda su identidad y su compromiso en favor de mensajes cada vez más demagógicos, como veremos más adelante.

Poco después editan 'The Unforgottable Fire', donde se hacía referencia como tema principal a las drogas, debido a que por esa época la heroína se había instalado firmemente en Irlanda. Con él repitieron el éxito de su anterior disco pero instaurando de verdad su estilo "marca de la casa", por aquello de los sutiles acordes y los dramáticos silencios.

A partir de ahí es cuando comienzan una inacabable tournee de conciertos beneficos luchando por toda causa noble que se les cruzase por el camino. El aspecto solidario de la banda se ve manifestado en el Live Aid de 1985, (nada que ver con el reciente Live 8) lo que les vale de trampolín definitivo para ser conocidos en todo el mundo.

Pero es en 1987 cuando se consagran con 'The Joshua Tree', disco-colección de singles a cada cual más resultón que se agotó en todo comercio habido y por haber a los dos días de salir. Ganaron cuanto premio hubo en ese año, y salieron en todas las portadas de las revistas, incluso en la revista TIME, debido ente otras muchas razones al descarado giro y acercamiento a la música norteamericana, principalmente hacia los sonidos del blues y del gospel, que les abrió para siempre las puertas del éxito en aquél país.

Al siguiente año U2 editan 'Rattle And Hum', tras el cual se toman un periodo de reflexión para decidir su futuro. La banda estaba cansada de sí misma (lógico, al seguir un patrón de canciones casi idéntico y estar promocionándolas en giras interminables), por lo que llegan a proponerse disolver el grupo. Sin embargo, deciden publicar 'Atchung Baby', en una tentativa por cambiar su estilo, donde aniquilan al viejo U2 encargandose ellos mismos de enterrarse, pasando de ser un convencional grupo rock a ser una banda de sonido puramente "industrial".

Bono entonces tuvo la genial idea de convertirse en una estrella de rock como mandan los cánones, y creó un personaje llamado The Fly (La Mosca) vistiendo pantalones de cuero ajustados, ocultando sus ojos bajo unas gafas negras y convenciéndose a sí mismo de que si ya tenía hecha la fama, había que aprovecharla del algún modo. Para rematar la faena, el ZOO TV Tour hizo el resto y se convirtió en su patrón de actuaciones hasta el día de hoy, es decir, shows efectistas en los que Bono usaba el teléfono en el escenario para hacer bromas telefónicas y hacía conexiones vía satélite mientras que en enormes pantallas se emitían imágenes de la banda mezcladas con noticias del telediario y frases subliminales. Es decir, un completo circo en lo que lo menos importante era la música...

Tras ello, siguieron con una caída en picado editando "ZOOropa", muy en la línea ultrasónica de Achtung Baby pero más experimental, extremo y oscuro que el anterior. Lo mismo que cuando editan POP en 1997, álbum que sigue de cerca la línea de la experimentación sonora incorporada desde Achtung Baby pero que igualmente se convierte en un batiburrillo de mensajes sin un objetivo claro y definido. Por supuesto, en aquel año tocó gira en forma de "Pop Mart Tour", a modo de sátira a la sociedad de consumo (pero muy cogida por los pelos) y vendida como "la gira con el escenario más grande jamás construído y con la pantalla de TV mas grande del planeta". Vamos, de una trascendencia loca y muy en su línea. Parecía que lo que se pretendía a esas alturas era que los espectadores se quedaran atónitos, no sólo por el aluvión de luces y sonido "surround" y otros aderezos, sino también por la perturbadora confusión reinante. Como ir al cine a ver una película de ciencia ficción, pero con músicos encima de un escenario.

Llega el año 2000 y a Bono se le va definitivamente la cabeza. Se decide a salvar el mundo entrevistándose con los lideres del FMI, con Bill Clinton y con el Papa si hacía falta, creando un proyecto llamado Jubilee 2000, una organizacion que buscaba abolir la deuda externa de los paises mas pobres. Mientras tanto, era posible ver un día a un cínico Bono en una gala por los niños que se mueren de hambre en el mundo y al día siguiente verlo llegar a un concierto en un avion privado que consume más de lo que 10000 niños necesitan para comer... Toda una demostración de coherencia.

A finales del 2000 llega como no podia ser de otro modo una vuelta a los origenes, cansados de tanto experimento sin sentido, con el disco "All that you cant leave behind". La banda aquí deja de recurrir a la tecnología y apuesta por un sonido mas crudo, volviendo a lo basico y a las melodias sencillas (vamos, más bien una vuelta a lo mismo de siempre). Por supuesto ganan todos los Grammys del mundo, con lo que eso supone...

Por último, el grupo graba en el 2004 "How to dismantle an atomic bomb", la enésima repetición de los mismos esquemas, y se van de gira a promocionarlo, con la sonora apoteosis del Live 8 en el 2005. En este macroconcierto, organizado por Bob Geldof a nivel mundial, el grupo ondea su bandera de la solidaridad y el compromiso social, y claro, Bono en su salsa aprovecha para protestar por la vergonzosa situación del continente negro y que si tal y que si cual. Pero en ninguna estrofa cantó que su fortuna equivale a toda la deuda externa de Ruanda, así que la gente siguió aplaudiendo y aquí paz y después gloria. Vaya por Dios, se le olvidó en ese momento de euforia... Únicamente con la gira de Vértigo, U2 recaudó 185 millones de dólares, la misma cantidad de ingresos anuales de Burundi. Pero claro, los mecenas de las causas altruistas siguen con sus mansiones en Dublín, y el que venga detrás que arree.

A finales del mismo año, y para rematar la faena, la banda ingresa en el Rock and Roll Hall of Fame y el encargado de presentarlos es.... Bruce Springsteen (si es que no podía ser de otra forma, estaba claro), quien luego los acompaña durante la cancion "I still haven't found what I'm looking for". Gloria y honor a borbotones para una banda cuyo gran mérito (no al alcance de todos, bien es cierto) es haber sido capaces de convertir los temas más sosos y triviales en superéxitos.

Artistas Sobrevalorados - Capítulo 1: Bruce Springsteen

Bruce Sprinsteen es conocido por muchos como "The Boss", el jefe del rock, el gran maestro de ceremonias de conciertos plenos de fuerza y garra que dirige a la E-Street Band, grupo modelado a su imagen y semejanza y que funciona perfectamente engrasada aún a día de hoy para deleite de sus fans. Bueno, bueno. Hagamos historia.

En su momento, algunos críticos aclamaron a Bruce como el salvador del rock & roll, como el solista que conjugó el rock de los 50, la musica de los 60 y la crudeza de los 70. Se le mencionó como el nuevo poeta urbano, capaz de componer canciones de la complejidad de un Dylan (calificativo que sin duda le viene muy grande), y con conciertos que estaban cerca de convertirse en ceremonias llenas de fanáticos ávidos de música musculosa.

Pero no nos engañemos. Vamos a rascar un poco en el mito para ver que no es oro todo lo que reluce. Springsteen llegó al rock & roll como un adolescente que tocaba en mediocresbandas de rock de mediados de los 60, combinando el rock garaje y el clásico formato detrío de blues rock. Durante un tiempo, a principios de los 70, incluso intentó ser un cantante de folk, casi un cantautor (como cambian las cosas), pero con nulo éxito.

A mediados de los 70, cuando comprobó que debía convertirse al rock y dejar de una vez las guitarras acústicas, ya habían aparecido músicos de rock que estaban pegando fuerte con un sonido muy parecido al que tendría Bruce después (qué casualidad), como Bob Seger, con lo que Springsteen parecía más un miembro de ese genero ya establecido que el creador y renovador del mismo, como luego machaconamente se nos intentó hacernos creer. Vamos, que llegó cuando todo el pescado estaba vendido y con multiples enemigos que vencer: es más, sólo despuntaría luego (en ventas, no en creatividad) cuando sus competidores habían dejado la música para vivir de las rentas...
Así las cosas, y para rescatarlo del olvido, fue dirigido en 1975 por la maquina publicitaria de una gran compañía de discos, Columbia, siendo percibido como "hype" ("promoción exagerada") por una parte significativa del público, así como por los medios. Springsteen aterrizó en las portadas del Times y del Newsweek, pero ambas revistas cubrían sólo el fenómeno, no la música. El álbum de Springsteen, “Born To Run”, llegó a ser un hit, pero NO OLVIDEMOS que Bruce saltó a la arena como una campaña de marketing, y la mayoría de los fans fueron atraídos más por la campaña de prensa que por sus discos y espectáculos (hecho demostrado y demostrable).

Que te han pillao con el carrito del helao...

A partir de ahí, y con el camino ya allanado, para colgarse de un forma facilona los galones llega el patriótico “Born In The USA” (Junio 1984) bombazo que le llevó a un tour internacional de más de dos años. Del álbum se sacaron más de siete singles que fueron éxito absoluto y vendió sobre diez millones de copias, poniendo a Springsteen en los cielos del pop junto a Michael Jackson y Prince (vaya, otro buen ejemplo de musicos excesivamente reconocidos por el gran público y la industria...).

A finales de este 1993, escribe y graba sin duda el tema más pesado, soporífero y aburrido de la historia de la música pop, "Streets of Philadelphia", para la banda sonora de la película “Filadelfia”, tema que llega de inmediatamente a lo más alto de los Top Ten en 1994, ganando el Premio de la Academia como Mejor Canción y vencedor de los Grammy (premios que, como todo el mundo sabe, son dirigidos y adjudicados por las grandes compañías del entretenimiento, y que no son en absoluto poseedores de prestigio alguno ni son sinónimos necesariamente de una calidad contrastada).

En definitiva, podriamos estar horas y horas hablando de lo que parece ser, pero no es. Sin dudar de su valía como showman para conciertos de estadio, Bruce Springsteen ha sido más un músico carismatico y con don gentes que un verdadero creativo, con la enorme fortuna de contar con una gran compañía que ha ido respaldando a lo largo del tiempo alguna que otra canción afortunada. Y ya se sabe que, en música, lo que dura en el tiempo (aunque sea artificialmente) se convierte en clásico...

Artistas sobrevalorados

Seguro que a más de uno le ha ocurrido alguna vez. Estamos viendo un cuadro, leyendo un libro o escuchando un disco de éxito, y nos preguntamos ¿Cómo le puede gustar esto a tantisima gente? ¿Seré yo el que está equivocado? ¿O es que nos quieren vender algo que no es como nos lo cuentan?.

No os preocupeis, estamos ante el "síndrome de los artistas sobrevalorados", aquellos que por una razón u otra (aparecer en el momento oportuno, contar con la promoción adecuada, polemizar o llamar la atención con escándalos, es decir, nunca por motivos puramente artísticos) llegan a ocupar el sitio de otros que seguramente serían merecedores de mayor reconocimiento.

En los próximos días pasaremos a ver algunos de esos casos, tratando de ser lo más objetivos en un tema que, seguro, traerá cola...

Nueva y sorprendente tecnología

Aquí estamos de nuevo para expandir nuestras mentes con una noticia cuanto menos intrigante:

Un grupo de ingenieros irlandeses de la compañía Steorn han encontrado una nueva tecnología que genera energía gratuita, limpia y constante; Vamos, vamos, que si es cierto lo que dicen se caga la perra y esto es mejor invento que la rueda o la imprenta.

Eso significaría no tener que recargar nunca el teléfono ni volver a llenar el depósito de gasolina del coche, es decir, un mundo con un suministro infinito de energía limpia para todos. Según se aclara, la nueva tecnología ha sido validada de forma independiente por ingenieros y científicos, (aunque siempre de modo extraoficial) y siempre demostrando que funciona.

No sé, pero estas cosas dan qué pensar, y mucho... Se agradecen sobremanera los comentarios de gente con conocimientos en termodinámica, a ver si nos aclaran un poco el tema a todos y vemos su funcionalidad. Más info: http://www.steorn.net/

El libro Gordo de Petete

Un alto en el camino!

A petición de Tesorito, y para que todo el mundo participe, vamos a hablar hoy de los misterios de un libro que marcó una época en nuestra infancia: El libro Gordo de Petete. Todos lo conocemos, pero ahora me pregunto yo, ¿qué era exactamente?. Hay varias opciones:

-Una enciclopedia, dirán algunos. Sí, llegó a tener seis tomos.
-Una revista, dirán otros. También, más de cien números, tipo Muy Interesante para niños (y carísma, por cierto, recuerdo ahorrar para comprarla todas las semanas y no me daba ni para la portada) Ah, adjuntaba un librito de "Clásicos de la Literatura".
-Un programa de TV, se dice. También es verdad, precursor del "vamos a la cama" y similares, con una audiencia increíble, lo que llevó al creador del monstruíto, el almeriense Manuel García Ferré, a lanzar una increíble colección de muñequitos, camisetas y demás merchandising con el que se forró de por vida...

Pero vuelvo a preguntar, ¿y el "Libro" dónde está?. Porque lo más parecido al libro que hemos visto era un tomo de cartón piedra que salía en los decorados del fondo del programa...

En fin, nos despedimos de la única manera posible: El Libro Gordo enseña, el Libro Gordo entretiene, y yo te digo contento, hasta la semana que viene!!!

Los Basureros de Los Ángeles

Hoy vamos a hablar de un grupo musical no demasiado conocido aunque precursor en muchos aspectos: Los Basureros de Los Ángeles. A mis manos llegó hace años uno de sus trabajos y desde entonces sin desmayo he intentado documentarme y adquirir más material grabado de estos chicos, aunque la verdad es que es ciertamente difícil conseguir sus obras, pues estamos hablando de material no editado oficialmente, tan sólo disponible a través de canales underground.

Cuál no fue mi sorpresa cuando, por medio de un gran amigo mío, los llegué a conocer un día en persona, y lo único que puedo decir es que su genio musical se ve superado por su don de gentes. Cordiales y muy amables, el trato que recibí por su parte en los minutos que pude hablar con ellos me demostró que no se les ha subido a la cabeza su éxito, al contrario, certificaron que (como los grandes artistas) la humildad es la plataforma de los maestros. Desde entonces, les prometí que algún día daría a conocer su obra, la cual por fin paso a relatar.

La apasionante historia de Los Basureros de Los Ángeles comenzó en el momento en que a David Mastretta y Alberto Bergnami se les ocurrió emprender en 1998 una carrera artística con el objetivo del propio divertimento personal. Sin embargo, lo mejor o peor de todo (según se quiera ver) es que también quisieron compartir tal inquietud con el resto de los mortales, con lo que dicho divertimento personal se transformó con el paso de los años en tortura colectiva para unos y en incontenible deleite para otros. Trataremos de explicar en estas líneas tamaño fenómeno sociológico que intriga a muchas personas.

En primer lugar, quizá la respuesta a dicho misterio sean sus bases musicales. Fueron y siguen siendo más bien pobres, nutriéndose en un principio de géneros tan dispares como la música disco, la pachanga, los añejos cantares sefardíes, la copla o el vodevil; así pues, no es de extrañar que sus composiciones aún ahora no tengan ninguna lógica ni estilo definido. Los temas más bien son un conglomerado de influencias diversas, como lo son asimismo la temática lírica de la que hacen gala... pero sin embargo, poco a poco e inexplicablemente fueron surgiendo de su ingenio atípicas obras maestras que permanecen todavía hoy en día incomprendidas por algunos.

Los interfectos en cuestión, en una de sus escasísimas fotos oficiales

Para intentar reparar tal error histórico, y fruto de maratonianas sesiones de grabación, surgió en el año 2000 su primer disco, llamado "No se puede aguantar", que constituyó un gran éxito iniciático con canciones como "Yo de nasí", "Alabaré", "A vida é así" o "Voyager 5". Entre un reducido aunque entendido grupo de personajes se corrió el rumor de que aquellos temas eran cuanto menos de cierta calidad, por lo que empezaron a llover los pedidos a su casa discográfica, Vertedero Records, y con ellos las buenas críticas. Llegados a ese momento Los Basureros de Los Ángeles se dieron cuenta que lo único que faltaba era un baño de masas en condiciones, y así en Abril de 2001 ofrecieron su primer, único y mítico concierto en un pase para la prensa sin igual.

Las incesantes alabanzas de los medios de comunicación y la llegada a las listas de éxitos en Botswana, Puerto Príncipe o Islas Feroe (donde sorpresivamente lograron el número 1) provocaron la grabación de un nuevo Cd, así como la reedición y remasterización de su primer disco con extras incluyendo fotos, Mp3, letras y un largo etcétera. Estaba claro que el próximo bombazo debía conseguirse pronto, y en 2003 editaron "Va por ustedes" (un agradecido mensaje a sus fanes) trabajo en el que desarrollaron un impresionante despliegue técnico y humano con la grabación de sus creaciones en sistema analógico-digital, innovador método concebido en los Estudios Rico con en el que por fin destaparon el frasco de las esencias. Muchos de los temas de este disco se convirtieron en inmediatos clásicos por su enorme calidad: ahí tenemos por ejemplo las románticas “Pienso de que sí” y “No es posible que esto se termine”, las veladas críticas al sistema como “Bienestar” o los potenciales singles como “No me toques los Jueves” y “When people is flying in the street” (merecedores sin duda de ocupar el Top Ten en cualquier país) sin olvidar una pequeña referencia a sus orígenes en la formidable “Basurilla” y cómo no, “Coruña”, poesía urbana en su máxima expresión.

Sólo queda decir que sin duda Los Basureros de Los Ángeles, con su buen hacer y profesionalidad, se han convertido en todo un referente para la música popular actual, llegando a imponer un estilo propio (se habla ya de música basureriana como seña de identidad) algo que desde luego está al alcance de muy pocos. Ése es el secreto de estos soberbios músicos, y ésa es la explicación de su grandeza: bravo por ellos, ojalá que sigan ofreciéndonos más música excelsa, los necesitamos.

(NOTA: Para para adquirir sus obras se me ha facilitado gentilmente la siguiente dirección de email: losbasurerosdelosangeles@hotmail.com, a través de la cual se servirán a los interesados los pedidos de sus discos por riguroso orden de llegada).

Cómo realizar un Comentario

Ante el aluvión de preguntas referentes a cómo participar en este blog y realizar un comentario, voy a explicar paso a paso cómo se hace, es muy fácil, atención chavalotes/as:

- Al final de cada Post (artículo, noticia, etc) está la palabra COMMENTS, se pincha en ella.

- Aparece una ventana auxiliar, en la que se indica "Haga un comentario". Debajo del recuadro de texto se posibilita "Elegir una identidad". Marcamos "anónimo" (así nadie tiene por qué revelar su nombre, aunque no cuesta nada echar una firmita, si os parece) y después pinchamos "Acceder y publicar".

- Escribimos lo que nos parezca (con cierto criterio) y al fin pulsamos "Publicar su comentario".

Entonces pasamos a la posteridad y ya queda grabado a fuego en el blog.

Por último, nos felicitamos a nosotros mismos y nos damos besitos en la cara por lo bien que lo hemos hecho... De nada.

El origen de la máquina. Capítulo 2

Entonces, vamos al grano...

Ya sabemos lo de Burroughs, el autor capital de la Generación Beat (quien aún no se haya leído el libro aún está a tiempo), pero falta el componente musical en forma de "Soft Machine" -vamos, traducción directa de la obra- grupo inglés, en inicio psicotrópico, de los años 60.

La historia dice que los animaliños pidieron previamente al escritor, mediante conversación telefónica, su aprobación y consentimiento para ceder el uso del título del libro ya referido como nombre del grupo, algo a lo que accedió Don William, quién sabe si por estar en otra dimensión espacio-temporal o porque realmente le importaba bien poco lo que hicieran unos tarados ingleses con sus textos.

Claro, lo que no sabía es que los pobres se iban a convertir en uno de los grupos de referencia del jazz rock mundial, quizá los que con mayor determinación definieron el género, siendo todavía hoy banda de enorme influencia para musiquillos y musicazos, que de todo hay en la viña del señor.

Soft Machine (El grupo) - Que nadie sonría, que perdemos credibilidad...

Aunque lo más interesante de todo son sus orígenes como banda, ahí te quería yo ver. Dejando de lado lo del nombre, que ya está claro, los miembros del grupo comenzaron a experimentar allá por el año 1966 con el art rock, el jazz y la psicodelia, y se les ocurrió la idea de hacer música para la mente en lugar de hacer música para el cuerpo. Los iluminados que se reunían semanalmente en Canterbury (England) para hacer música eran Robert Wyatt (Batería y voz) Mike Ratdlege (teclados), Kevin Ayers (bajo) y Daevid Allen (guitarra), y de hecho en sus inicios fueron feroces competidores de Pink Floyd como reyes del underground, ahí es nada.

Tras telonear a Jimi Hendrix en su gira de 1967 por EEUU (estos tíos se codeaban con lo más granado de la época) pasaron a grabar su primer disco, titulado "Volume 1", semilla fundacional de la llamada "Escena de Canterbury", como trío y ya sin Daevid Allen. Sólo por unos pocos meses en 1968, Soft Machine volvio a ser un cuarteto con la incorporación del futuro miembro de The Police, el guitarrista Andy Summers, aunque este no llego a acoplarse al grupo, que rapidamente volvio a ser un trio.

En los siguientes conciertos de la gira de 1968 se llamó a un viejo amigo de Wyatt, Hugh Hopper, bajista notablemente mejor que Kevin Ayers y con el que grabaron su segundo album "Vol. 2" (1969), sumergiendose definitivamente en territorios jazzy para irse alejando poco a poco del pop. El órgano distorsionado de Ratledge asi como la imaginativa forma de tocar la bateria de Wyatt y sus vocalizaciones con ecos y delays se constituyeron en elementos claramentes demostrativos de lo que era la banda, encerrándose a veces en un surrealismo algo inaccessible para la audiencia convencional del pop/rock de la epoca.

En su tercer LP "Third" de 1970 (no eran muy originales en eso de poner títulos, no), los ejercicios instrumentales estaban al orden del día, eran ya un grupo decididamente jazzero y seguían la onda del "Bitches Brew" de Miles Davis, aunque europeizándolo. Durante la gira de presentación incluso usaron una sección completa de metal pero, como no podían pagarla, sólo el saxofonista Elton Dean (recientemente fallecido, y que inspiró el nombre a Elton John) se quedó con ellos.

Tras grabar en 1971 un cuarto álbum, titulado "Fourth" (cómo no) se produjo la marcha del baterista Robert Wyatt, y el grupo comenzó su lento declive. Sin su humor irónico ni su voz, Soft Machine se limitó a cumplir el expediente hasta llegar a ser una burda caricatura de sí mismos. Por su parte, Ratledge y Hopper mantuvieron a la banda funcionando de la mano de otros musicos, siempre ligados al caracter libre y de fusion de sus integrantes originales, aunque poco más tarde en 1973 Hopper abandonó la banda y Ratledge, el ultimo miembro original, decidió irse en 1976.

Poco queda más que decir, para los interesados en el sonido Canterbury (recomendabilísimo para expandir fronteras musicales y abrir poros espirituales) pueden consultar la excelente página http://calyx.club.fr/index.html, que bien podría haberse llamado "Todo lo que siempre quiso saber sobre la Escena Canterbury y nunca se atrevió a preguntar".

En fin, creo que puestos en situación, después de estos dos capítulos introductorios, este blog ya puede empezar a volar con criterio. Sólo queda vuestra participación, y que sea lo que Dios quiera...

El origen de la máquina. Capítulo 1

Sí, ya, pero ¿cómo empezó todo, quién es el responsable del nombre de este blog?

Por supuesto, es William Burroughs con su obra "La máquina Blanda", libro amalgama de selenitas, drogadictos, policías, viajes en el tiempo y orgías varias. Y todo en un transfondo de delirantes fantasías rebeldes acerca del orden establecido y sus mecanismos de control.

En distintas imágenes alocadas, el texto de Burroughs sacude los sentidos y nos fuerza a interpretar libremente sus palabras. En resumen, es una reflexión sobre cómo el ser humano se ve condicionado por la "máquina blanda" que es su cuerpo, de cuyas debilidades se aprovechan las clases dominantes a fin de asegurar el control social.

En su momento, se dijo que el libro era "una crítica absolutamente devastadora de todo lo que es falso, primitivo y vicioso en la vida norteamericana de hoy: los abusos de poder, el culto al héroe, la violencia sin motivo, la obsesión materialista, la intolerancia y toda forma de hipocresía.. "
Posiblemente, pero quizá sea eso y mucho más. Cuidado: libro no apto para todos los gustos ni para todos los estómagos (quien haya leído "El almuerzo desnudo" lo entenderá) de esos en los que la trama es aparentemente inexistente, para resultar ser un destroza-meninges total.

Críptico y denso, pero al fin revelador. Compensa el esfuerzo de desenmarañar su contenido, os lo aseguro. ¿Alguien se atreve a dejar su opinión?

Primer intento

Saludos, visitante!

En el día H y a la hora D tengo el gran honor de inaugurar este blog, previsible cuna de músicos, literatos, cinemaníacos y raritos en busca de más emociones que las acostumbradas en otras casas de la blogosfera. Poco a poco, entre opiniones, reseñas y recomendaciones vamos a ejercitar esa máquina blanda que tenemos todos en el cerebro, a ver si dejamos de ser los más ricos del cementerio. Mañana, primer episodio.