MaquinaBlanda

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2010-06-04T10:54:00.001-07:00

Dance of the goodbyes by Amoeba Split is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-No comercial-Compartir bajo la misma licencia 3.0 España License.

Sobre el libro "Lo que deberías aprender antes de aprender"

2010-02-04T00:39:00.000-08:00

En ocasiones aprecen diversos manuales de autoayuda cuya eficacia es poco menos que dudosa, cuando no inexistente. Éste no es el caso del libro "Lo que deberías aprender antes de aprender", pues la utilidad salta a la vista, ya no sólo por su excelente estructuración temática sino por su aplicación práctica casi inmediata.

El libro "Lo que deberías aprender antes de aprender", escrito por Luis García Carrasco, es una selección de los más de 200 artículos publicados en la página web El Arte de la Memoria.org, del mismo autor, desde los inicios de su andadura hasta el momento actual. El objetivo es claro: ayudar a aprender y a memorizar de forma sencilla.

Obviamente el lector debe poner de su parte, pues no existen remedios mágicos instantáneos, pero sí autores con el criterio suficiente como para iluminar el duro camino del aprendizaje, y lo que es más importante, con ejemplos prácticos de aplicación en la vida real de cualquier estudiante o persona que desee mejorar su memoria.

Las técnicas son sencillas y tratan de optimizar nuestros recursos al máximo, desde la lectura rápida al uso de mapas mentales, pasando por diversos trucos mnemotécnicos que nos ayudan a aprender a aprender. Eso si, las técnicas de estudio no son sólo el punto fuerte del libro (otros best-sellers como el del archiconocido Ramon Campayo ya han hecho referencia a estos temas de forma similar), sino que va más allá. Las ayudas gráficas, el autoconocimiento y la eficaz gestión del tiempo son propuestas clave del libro para usar nuestra mente de una manera eficaz, un paso más que muchas publicaciones han dejado escapar de largo sin ofrecer respuestas de calado, un avance fundamental que se antoja definitivo.

Por el momento, eso sí, sólo podemos encontrar la publicación en formato electrónico previo pago o mediante la consulta directa en la página arriba indicada (sí señores, de forma gratuita, todo un ejemplo a seguir), pero es de esperar que por lógica algún día se edite en papel, pues es tal el merecimiento que atesora que no sería de extrañar su publicación en breve. Por todo ello simplemente decir que desde maquinablanda recomendamos efusivamente hacerse con un ejemplar de Lo que deberías aprender antes de aprender, ya no sólo por propio beneficio personal, sino por el placer de poder compartir con los demás un manual de ayuda totalmente eficaz.

Cursillo para dárselas de entendido en rock

2010-01-20T04:48:00.000-08:00

¿Cuántas veces en una reunión nos hemos sentido desplazados porque, pese a gustarnos la música, la gente habla de estilos o grupos sobre los que no tenemos ni idea?. La experiencia demuestra que el 99.99% de las veces, ése que tanto habla y presume no tiene ni idea de lo que se lleva entre manos. Simplemente, ha leído este documento antes que vosotros... Así que, si quereís reíros de lo lindo con ese amigo vuestro que tanto sabe de música, sólo tenéis que prestar atención al presente artículo.

A ver, básicamente, todo se divide por décadas:

50s. Rock'n'roll.
60s. Psicodelia y Beatles.
70s. Hasta el 75, glam y rock sinfonico. Después, punk y new wave.
80s. Tecno-pop.
90s. Ya no se hace música como antes.

Al margen de ello, el rock se ha caracterizado por su movimiento de péndulo: un año mandan los U.S.A. y al siguiente UK. Analizando lo que ahora mismo suena por la radio, podemos saber lo que se llevará el año que viene. Fácil. Puedes añadir de tu cosecha las cosas más peregrinas: que el tecno viene de los grupos alemanes de los setenta, que el reggae es un blues ralentizado o que todo comenzó el día que James Dean raptó a Marilyn mientras Elvis besaba en los morros a los Beach Boys, quienes cedieron su repertorio a Ringo Starr por dos pesetas y este contrató a tres mataos para que dieran la cara e inventaron el heavy metal, que al cruzarse con los sintetizadores dio forma al brit-pop. Todo vale y nadie te va a decir nada si lo dices con cara seria. En todo caso, deberemos entrenarnos para poder hablar a favor o en contra de cualquier estilo o moda. Es más fácil de lo que parece...

Algunos ejemplos:

Hippies:
SI -> Con los hippies, la juventud tomó conciencia al fin de su propia libertad
NO -> Los hippies destrozaron la imagen de una juventud emporrada a la que nadie podría tomarse en serio.

Punk:
SI -> Revolución contra los dinosaurios de los setenta, do it yourself, etc.
NO -> Niñatos que ni siquiera saben tocar manejados por caraduras tipo Malcom McLaren.

Heavy:
SI -> Música anticomercial y de machotes, pero a la vez de complicada ejecución.
NO -> Canciones para adolescentes llenos de granos que sueñan con aventuras épicas que jamás vivirán.

Sinfónico y Rock progresivo:
SI -> La única faceta del rock presentable, la música clásica del futuro.
NO -> Papilla edulcorada, pasto de la gente demasiado inculta como para poder comprender la música clásica.

Y así con cualquier estilo...

Las técnicas básicas

- Llevar siempre la contraria
- Inventárselas, cuanto más gordas mejor.
- Dudar sistemáticamente de la información facilitada por el contrincante.
- Mantener hasta límites inconcebibles nuestras posturas.
- Divide y vencerás.
- Gritar mucho.
- Descalificar al contrario.
- Todo contertulio es un enemigo potencial.
- Veni, vedi, vinci.
- Los gestos son muy importantes: el mundo te está observando.
- Cuando escuches los razonamientos del contrincante, bebe o fuma con avidez y esboza una media sonrisa de incredulidad.
- Y lo principal: hablar sentando cátedra. Siempre.

En caso de encontrarnos rodeados, podemos mostrarnos de acuerdo (ojo, NUNCA, bajo ningún concepto, al 100%) con alguno de los contrarios. También es importante lograr aliados puntuales en conversaciones que se compliquen... Desde luego, pasaremos a atacarlos sin conmiseración en los minutos siguientes, diciendo todo lo contrario a lo que habíamos mantenido hasta entonces.

Como principio (¡sólo como principio!), presumir de "auténtico" y pasar de lo comercial. Blues, rock de los cincuenta, punk del 77... En todo caso, guardar silencio por unos minutos hasta saber de que pie cojea nuestro adversario. Una vez sepamos su grupo/estilo favorito, proclamar que lo nuestro es todo lo contrario y pasar al ataque, comenzando por una frase tipo "eso ni es música ni es na" o "no está mal, pero es un rollo". En el improbable caso de toparnos con un auténtico entendido (sería más fácil hallar un unicornio), lo más seguro es que lo sea sólo en determinada época, grupo o estilo. Si el elemento está versado en la música de los sesenta o setenta, atacar frontalmente diciendo "macho, que desde 1982 ha salido algún disco decente". O al revés, si el tío está muy puesto en las tendencias actuales, manifestar que "es imposible comprender el panorama actual desconociendo las raíces".

Si es fanático de algún grupo, analizaremos el estilo en caso de que nos suene de algo. Si el grupo favorito del contrincante vende millones de discos, lo tacharemos de "comercial" y diremos que a nosotros nos interesan propuestas más arriesgadas, mencionando tres o cuatro grupos minoritarios o inventándonoslos directamente. Si aboga por alguna banda semidesconocida, pasaremos a llamarlo snob o listillo, manifestando que si son desconocidos es muy probable que sean más malos que la carne de perro. Esta ultima técnica vale también para los estilos, aunque podremos aplicar otra variante: si le gusta la música tranquila o new age nos lo pone a huevo. Diremos que eso es música para anuncios de yogures y nos quedaremos tan panchos. Si le gusta el jevi o el hardcore, diremos que es música de nenazas, alabando a los grupos de música electronica extrema tipo Whitehouse o los ruidistas japoneses (memorizar esta última frase es muy importante). Siempre deberemos usar lo de "pues yo más". En caso poco probable de que resulte que le mole la música electronica extrema, utilizaremos lo explicado anteriormente con los que presumen de gustos poco comerciales.

Importante: aprender de los presuntos expertos. Es decir, si vemos que un tío sabe mucho sobre algún grupo en concreto (sobre todo de los grandes: Queen, Dire Straits, Beatles...), fijarnos en que discos alaba especialmente para mencionarlos como nuestros favoritos en otras tertulias. Nos servirá para conseguir apoyos en futuras batallas. Lo más divertido es abogar por un estilo que no le guste a la mayoría de los presentes: es muy fácil despreciar el bakalao, lo que mola es meterse con Depeche Mode o Queen en una convención de fans. En el improbable caso de que estemos rodeados de gente civilizada y la conversación carezca de interés, declararse fan de Enrique Iglesias o Alejandro Sanz puede calentar los ánimos. Comparar las magnas obras de estos últimos con las de esos grupetes que no venden muchos discos. Si se nos acusa de que solo nos gusta la música comercial, contra-atacaremos repitiendo que es más difícil hacer una canción que le guste a un millón de personas que grabar un disco que sólo interesa a dos mil snobs que van de listos...

Difícilmente los grupos sacan más de dos elepés que valgan la pena. Garantizamos una posibilidad de acierto al 99% diciendo que CUALQUIER grupo era mejor al principio... Existen algunas excepciones, tipo Beatles o R.E.M. o U2, pero siempre es posible defender nuestra postura. Una variante de esa técnica consiste en enterarse de los grupos en los que el artífice principal ha abandonado el puesto. Ejemplos clásicos: los Genesis sin Peter Gabriel son una mierda, los Pink Floyd sin Syd Barrett no valen para nada, los Van Halen sin David Lee Roth dan grima, etc... Por otro lado, las carreras en solitario de líderes de bandas suelen ser penosas y tristísimas. Esto lo tomaremos siempre como dogma, claro que si alguien ataca a Morrissey (por ejemplo) lo defenderemos a capa y espada.

Variante de la variante: el grupo secuela es por definición mucho peor que el original. Por ejemplo: Porno For Pyros puede estar bien, pero son una mierda al lado de Jane's Addiction; las Breeders molan, pero no resisten comparación con los Pixies; Electrik Music serian un gran grupo de no haber existido Kraftwerk... También da mucho juego el atacar a grupos consagrados: Smiths, Beatles, etc. Por sistema, cualquier grupo que venda más de tres mil discos es una mierda.

Por supuesto, ni críticos ni revistas ni emisoras tienen idea de que están hablando: están todos comprados y siguen los dictados de la industria. Eso se aplica tambien a "lo mejor del año" según la revista tal o las listas esas de "los cien mejores elepés de la historia".

Y, esto es primordial, para referirnos a ellos siempre utilizaremos la celeberrima definición de Frank Zappa: "El crítico de rock es una persona que no sabe escribir y que habla con personas que no saben hablar para contárselo por escrito a personas que no saben leer". Ello no impide de que podamos presumir del consumo de revistas extranjeras como The Face, Vox, Best, etc... No, el NME y el MM son de garrulos. Y el Rolling Stone, ni te cuento.

Y lo más importante: ser capaces de hablar mal hasta de nuestro grupo/artista favorito... Ya, es jodido, pero si lo conseguimos podemos estar seguros de haber conseguido quedar como enterados... Igualmente, debemos entrenarnos para hablar bien de grupos o estilos que nos repateen... Un buen ejercicio sería ponernos frente al espejo mientras defendemos a Enya sin vomitar o alabamos a grito pelado a AC/DC.

Cuenta siempre con el factor geográfico. Hablar de un grupo de tu ciudad es peligroso, porque fácilmente puede estar entre tus interlocutores el primo de la novia del bajista, o el hermano del técnico de sonido. También cabe considerar que es relativamente fácil que alguno de los presentes los haya oído alguna vez. Por tanto, no tengas miedo y surca los mares. Habla de Seattle como si fuera tu barrio, invéntate parentescos familiares entre las bandas de allí. Habla de los locales donde tocaban The Doors como del bar de la esquina, y describe a la perfección la Caverna de Liverpool. Invéntate sin pudor las más peregrinas teorías sobre la escena holandesa, noruega, danesa o australiana; presentando a cualquier grupo de ahí que te suene como "los nuevos Beatles". Variante ultra: entérate de qué grupos son más importantes en lugares como Sri Lanka, Burkina Fasso, Surinam o Tierra de Fuego, y clama por la ceguera de la industria que nos priva de los miles y miles de talentos musicales allí escondidos. En caso de emergencia, referirnos a las letras de las canciones. La mayoría de las veces nadie sabe de que hablan esos melenudos, así que si alguien se mete con la música del grupo que estamos defendiendo y tenemos ganas de acabar rápido, le llamaremos inculto o insensible; proclamando que lo más importante de ese grupo es la poesia de sus letras. Inventarnoslas sobre la marcha.

La forma cuenta más que el fondo.

Por ejemplo, facilita mucho las cosas el utilizar nombres de entendidos, como si fueran colegas de toda la vida y hubiéramos comido en el mismo plato. Es decir, llamar a los músicos por su nombre de pila: David (Gilmour), Brian (May), Mark (Knopfler),... si alguien pone caras extrañas, humillarlo sin piedad: "Joder, ¿que John va a ser?... Pues Lennon, coño!... Parece mentira..." Muy importante: utilizar el apellido de Janis (Joplin), Jim (Morrison), Jimi (Hendrix) o Brian (Jones) se considera de muy mal gusto. Mola enterarse de los apodos: no digas Bob Dylan, di Zimmerman o "el judio de Minessota"; no digas Van Morrison, di "el león de Belfast"; no digas Bruce Springsteen, di "el Boss"; no digas Prince, di "el enano de Minneapolis"... Asimismo es preferible referirse a Declan McMannus (Elvis Costello), David Jones (David Bowie), Paul Hewson (Bono el de U2) o James Jewel Osterburg (Iggy Pop). Esto se aplica también a los grupos, por ejemplo: jamás digas Beatles, di Fab Four; no digas Rolling Stones, di Stones (nota: si se te ocurre decir "los Rolling" tirarás por tierra toda tu reputación); no digas King Crimson, di Crimso; no digas Iron Maiden, di los Maiden; no digas los Wedding Present, di los Weddoes y así sucesivamente. Utilizar preferiblemente las siglas: Emerson, Lake and Palmer serán siempre ELP; Premiata Forneria Marconi, PFM; Rage Against The Machine, RATM; Def Con Dos, DCD; etc. Excepción a la regla: O.M.D. Siempre deberemos referirnos a ellos como Orchestral Manoeuvres In The Dark.

Asimismo, usar siempre abreviaturas, a ser posible pronunciandolas en inglés: el New Musical Express (acordaos de decir siempre que es una mierda) pasa a ser NME (en-em-i); AOR en lugar de Adult Oriented Rock; MOR en vez de Middle Of The Road...
Utilizar palabras en inglés aunque no sepamos lo que significan: hype, dub, clinic, mass-media, fade-in, bootleg, out-take, payola, gig, mainstream, crossover, etc.

Inciso importante sobre el inglés. En realidad no importa para nada la pronunciación, con tal de que sea rápida y parezca profesional (si alguien te pregunta, di que aprendiste inglés con una surafricana). Aprende cuanto antes a pronunciar la "S líquida": tienes que ser el primero de todos en pronunciar "Stouns" y no "Estouns". Y sobre todo, NUNCA "Estones". También es queda bien pronunciarlo como no lo pronuncia nadie: Bob Dailan, Eric Cleipton, King Craimson, Chaina Craisis... Declara clásicas aquellas expresiones que hayas escuchado sólo una vez. Ejemplo: según tú, todo buen seguidor de Public Enemy debe saber lo que significa PENO. (Public Enemy Number One).

Es también recomendable adecuar nuestra oratoria al auditorio: frases como "el jevi mola un mazo" o "la música de Enya me hace levitar", "los ritmos andinos me sulibeyan", "Enrique Iglesias es guay", "los corridos mexicanos son chévere" o "los pitufos maquineros son chupi" serían ejemplos preclaros... Importante: no reconocer jamás que compramos los discos en El Corte Inglés o FNAC. Siempre los compraremos en el extranjero, por correo o mediante algún conocido. En todo caso, comprarlos donde no los compre nadie; presumiendo de ser amigo intimo del que lleve la tienda en cuestión.

Como detalle, cuando acudamos a un concierto saludaremos a todo aquel que se nos ocurra: no hace falta darle un abrazo ni pararse a hablar, basta con levantar la mano y sonreir. No hay ni que decir que no hace falta que lo conozcamos de verdad. También pasaremos lista de los ausentes "Huy, no he visto a fulanito (fulanito será un periodista o locutor), que raro..." Si por casualidad aparece al día siguiente su crítica en el periodio, diremos "fijo que ha enviado algún 'negro' a cubrir la actuación". Cosas así, vamos. Normalmente, echaremos pestes de los cabezas de cartel y alabaremos a los teloneros. Criticar sistematicamente la sonorización de los locales. Cagarnos en el d.j. que pone música de ambiente mientras esperamos a que comience el concierto. Etc.

Por supuesto, nos negaremos a acudir a conciertos en estadios y similares, "eso tiene más de circo que de concierto". Y de los macrofestivales veraniegos vamos a elaborar otro documento, pero por ahora nos conformaremos con decir que debían estar prohibidos por el Tribunal De Los Derechos Humanos De Ginebra o como se diga (tampoco tiene mucha importancia). Asimismo, echaremos pestes de toda clase de recopilaciones ("tergiversan la trayectoria del artista") o remixes. De las box-sets, ni te cuento: eso es para recien llegados que cuando salieron los discos originales estaban comprándose mariconadas. También luce mucho el abogar por el vinilo y tachar de timo (está demostrado que con los años se pudren) los cds, cosa de niñatos. Ah, y todos los unplugged, sin excepción, son una mierda. También todas las reuniones o comebacks (salvo, quizá, la de la Velvet de 1993).

Técnicas Avanzadas

Estas técnicas requieren algo de esfuerzo, pero memorizando las siguientes líneas conseguirás ser la estrella de la reunión...

Todo consiste en buscar alguna anécdota curiosa y sacar el tema como quien no quiere la cosa. Por ejemplo: "Bob (Dylan) jamás fue el mismo después de su accidente de moto", "En el doble blanco es donde comienza a apreciarse que los Beatles habian dejado de ser un grupo", "Mick (Jagger) aún siente remordimientos por la muerte de Brian (Jones)", "¿Sabeís porque David (Bowie) tiene un ojo de cada color?", "Aún no sabemos como la terapia de electroshocks afectó la obra de Lou (Reed)", "Los Beatles sin George Martin no son nada", "Hay que ver lo que ha hecho la heroína con los Depeche", "La culpa de todo la tiene Courtney (Love)"... Está técnica da sus frutos siempre que haya algún fan hard-core de cualquiera de los artistas citados; si hay dos ya es la leche: cada uno tiene su teoria particular, que por supuesto es la correcta. Otro recurso potente, aunque exige cierta disciplina e intuición, consiste en apostar sobre valores "seguros": son esos nombres intocables a los que nadie osa atacar, ya que de hacerlo puede llegar a peligrar nuestra integridad física. Algunos de ellos serían Velvet Underground, Can, Bob Dylan, Van Morrison, Neil Young, Joy Division, Sonic Youth...

Claro que por algo aparece en el apartado de "técnicas avanzadas". Al margen de que esos nombres son sacrosantos aunque no en todos los ambientes, la cosa funciona como la bolsa. Es decir, los valores cambian constantemente de cotización: hace unos años, todos, absolutamente todos los grupos, mencionaban a la Velvet Underground como influencia básica. Y aunque hoy ha sido superado en el particular Dow Jones rockero por Sonic Youth, sigue manteniendo un apreciable nivel de cotización. Pero lo interesante es apostar por nuevos valores: quienes en su momento, cuando iban tirados, compraron bonos de los Pixies o Dinosaur Jr. hoy gozan de un respetable aire de entendido. Otros se decantaron por Mock Turtles o Raw Herbs y perdieron todo su crédito. El problema es que todo es tan voluble, que es muy complejo el acertar: hoy todo el mundo puede enloquecer con los Nomads o Richie Valens para que dentro de dos meses se imponga otra cosa. De todas formas, podemos comenzar con un pequeño truco: si leemos que cierto músico/valor seguro ha colaborado o apadrinado a algún grupillo que despunta, volcaremos todas nuestras fichas a esa casilla. Ejemplo práctico: Pearl Jam. Nadie les hacía mucho caso, eran la Cenicienta del grunge. Bien, basta con que Neil Young grabe un disco con ellos para que todos los entendidos abran los ojos y comiencen a recibir buenas críticas.

También es interesante y nos hace quedar bien el aprendernos de dónde sacan los nombres los grupos. Es una tontería, pero de verdad que funciona... Por ejemplo: Alice Cooper (una bruja quemada en el siglo XVII), Jethro Tull (un ingeniero agricola del XVIII), Rolling Stones (de la canción Muddy Waters), Iron Maiden (instrumento de tortura de la Edad Media), Pink Floyd (los nombres de pila de dos bluesmen), U2 (avión espía americano), AC/DC (corriente alterna / corriente continua, pero también una forma de demoninar a los bisexuales)...

Asimismo, resulta de interés profundizar en la obra de algunos artistas "malditos": Nick Drake, Phil Ochs, Peter Hammill, Townes Van Zandt, Elliott Murphy... No hace falta comprarse sus discos, con dejar caer sus nombres en una reunión es suficiente. Si el interfecto ha muerto joven, existen muchas probabilidades de que su obra se mitifique sin excesivos problemas: claro que también mola y da mucho juego el criticarlos... En el improbable caso de que alguien contraataque (todo el mundo tiene pánico a quedar como analfabeto: ya verás como la mayoría asiente en silencio o dice "ah! claro...") diciendo que a esa gente no la conoce nadie, los consagraremos a todos como mártires del negocio, proclamando que son influencia reconocida por ese grupo que tanto le gusta a él, diciendo que su grandeza todavía no ha sido asimiliada por el gran público. A continuación daremos cifras astronómicas en que supuestamente están valorados sus discos: "El único disco de Pete Dello se ha llegado a pagar por... XXXX euros".

Otra técnica avanzada, sólo para los muy experimentados, consistiría en la defensa a ultranza de la música infantil, de música para la tercera edad, de orquestas de pachanga, bandas de música, clarines y trompetas militares... en general todo lo que nadie cree que está discutiendo cuando habla de música. Ecléctico que es uno.

También es interesante la teoría del "tercer disco". Es dogma de fe que "el segundo elepé" de cualquier grupo es siempre una mierda (hay excepciones, pero tan pocas que no vale la pena mencionarlas). El primero es siempre fruto de la casualidad, el segundo se graba deprisa y corriendo aprovechando el rebufo del primero y nunca aporta nada. Donde un grupo demuestra lo que vale es en su tercer álbum. A partir de ahí, improvisar. Nunca está de más el aprovechar los viajes para hacerse una foto frente a la tumba de Jim Morrison, la placa de la calle de Abbey Road, la entrada de los estudios Sun, etc. Hay lugares que no tienen mucho que ver con el rock, pero suelen quedar bien, como el pueblo donde se grabó Twin Peaks o Tijuana o Las Vegas... No sé exactamente por qué, pero funciona.

Recapitulación

- Todo este rollo se puede resumir en dos palabras: llevar siempre la contraria.
- La mejor defensa es un buen ataque.
- Hay que morir matando.
- Mirar por encima del hombro a los demás y observarlos con desprecio, como diciendo "no tienes ni puta idea, macho, no sabes la que matas".
- Si las cosas se ponen feas, siempre podemos decir "iba de coña" y salir por patas...

Manifiesto en defensa de los derechos fundamentales en Internet

2009-12-14T01:15:00.000-08:00

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.
2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial un organismo dependiente del ministerio de Cultura, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.
3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.
4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.
5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.
6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.
7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.
8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.
9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.
10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

Desde Maquinablanda apoyamos sin ningún tipo de dudas el anterior manifiesto.

Totamente de acuerdo!

El 40º Aniversario de King Crimson y sus discos remasterizados

2009-08-07T00:08:00.000-07:00

Sí señores, han leído bien, King Crimson celebra su 40º aniversario en Septiembre de este año 2009, y han anunciado que reeditan su catálogo (aunque no precisan si sólo van a ser los discos clásicos de la primera época o también añadirán los más recientes) , incluyendo además nuevos temas y remezclas en formato CD y DVDA ; vamos, lo que ya hicieron Genesis hace un año y lo que pretende hacer EMI del mismo modo en Septiembre con los Beatles.

El primer título que verá la luz será "Red" el 21 de septiembre , último disco de la etapa dorada y que vendrá con el añadido de tres temas nuevos, a saber: dos versiones previas a la mezcla del tema Red y Fallen Angel y la versión completa de Providence (qué pena por no escuchar algún descarte o remezcla de Starless, en fin, será para la próxima caja de Crimson) . Por su lado, la versión DVD-A incluirá una mezcla en multicanal 5.1. del disco original y el tema Journey to the Centre of the Cosmos.

El 12 de Octubre será la fecha de salida del esperadísimo In The Court of The Crimson King, que aparece ni más ni menos que en tres ediciones. En CD, con una nueva mezcla a partir del master original (es decir, prácticamente idéntica a la que circulaba en el mercado dos años atrás), CD doble con temas extras (sin concretar), y un DVD-A que incluye otra nueva mezcla 5.1 así como videos y temas nuevos inéditos de la misma época.

Por último, Lizard aparecerá el 26 de Octubre, e incluirá en CD una nueva mezcla en estéreo (qué curiosidad cómo debe sonar ahora Circus o Indoor Games). Al igual que los anteriores, la versión DVD-A incluirá el disco original en 5.1, más videos y temas previamente no editados de la misma época.

Por lo visto el señor Fripp debe tener una colección inmensa de rarezas que enseña al gran público como reclamo de cuando en cuando. Casualidad que lo haga en plena crisis, en ediciones de lujo y seguro que no precisamente baratas, cuando el negocio de la venta de discos ha caído en picado...

Fallece Hugh Hopper

2009-06-11T03:01:00.000-07:00

Hace más de un año que no mantenía actualizado este blog, ya fuese por medio de nuevas entradas de la serie "Artistas Infravalorados" o por medio de conmemoraciones varias, efemérides y demás.

Pero esta vez sin duda el tema lo merece. Por desgracia, tenemos que anunciar el fallecimiento de Hugh Hopper el pasado 7 de Junio, a la sazón el que fuera bajista del grupo de jazz-rock Soft Machine (podeis ver en este mismo blog un articulo dedicado a ellos) y uno de los bajistas más influyentes del estilo.

Atrás quedan sus memorables grabaciones y colaboraciones de lo más variopinto, desde Soft Heap hasta los miticos Isotope, pasando por sus grabaciones en solitario o con Soft Machine Legacy, sin duda todas ellas de valor incalculable.

Ya desde el año 2007, se podía ver a un Hopper muy cansado y demacrado, y fue por esas fechas donde se anunció que padecía leucemia. Todos sus compañeros músicos, en especial los de la escena Canterbury, organizaron repetidos actos de apoyo para sufragar los gastos derivados de la enfermedad, por cierto con un rotundo éxito. No obstante, en los últimos meses el bajista ingresó de gravedad en el hospital, hasta que hace unos días se anunció el fatal desenlace.

Vaya desde aquí nuestro sentido homenaje este gran músico, humilde como pocos, instrumentista y compositor insignia de toda una época. Moon in June!

Artistas infravalorados - Capitulo 1: Steely Dan

2008-03-31T00:05:00.000-07:00

Con enorme orgullo inauguramos hoy por fin la seccion de "Artistas infravalorados", porque nunca es tarde si la dicha es buena y porque además debutamos con uno de los grupos más injustamente olvidados e incluso diría que ignorados por el gran público: los fenomenales Steely Dan. Aún en la actualidad es difícil explicar el porqué de semejante olvido, de tamaño error, cuando su valía musical está fuera de toda duda y cuando su legado artístico está a la altura del cancionero de los Beatles, máxime tras haber demostrado sobradamente que por sí mismos son un género musical independiente y por derecho propio.

Los orígenes de esta isla en el mar de los estereotipos la encontramos en las bases establecidas ya en los inicios de la banda, cuando en 1972 los integrantes del grupo se negaron sistemáticamente a buscar un estándar para su sonido; más bien se trataba de crear ideales de canciones con un trasfondo filosófico muy especial. Tanto fue así que la elección del nombre también fue particularísima, pues denominar a una banda igual que el vibrador a vapor que aparece en la novela "El almuerzo desnudo" (William Burroughs) es cuanto menos curioso y nos pone en la pista de lo que vendría después.

Pero vayamos al grano. Steely Dan se gestó en esencia por la pareja de músicos y compositores Walter Becker (guitarra) y Donald Fagen (voz y teclados), núcleo central del proyecto y responsables directos de una ingeniosa mezcla de diversos elementos de jazz, rock, funk, r&b y pop. El uso y abuso de complejas estructuras rítmicas terminaron de dar el pistoletazo de salida en el que las agudas letras y el gran nivel musical hicieron el resto.

Podemos comenzar la historia desde una primera etapa, comprendida entre los años 1972a 1974, en la que el grupo salía de gira y grababa, como toda banda de rock. En ese momento editan "Can't Buy a Thrill", disco en el que se incluyen temas como "Do it again" o "Reelin in the years", quizá los más conocidos por el gran público, momento en el que la crítica accede a tratarlos de manera casi reverencial. Como vemos, éxito de crítica y público casi inmediato y además con la primera obra. Con "Countdown to Ecstasy" del 73 los elementos se repiten, aunque el universo Dan se amplía en la temática de sus líricas, plagada de psicópatas, perdedores o señoritas de muy poca elegancia.

Al año siguiente se publica "Pretzel Logic", a mi entender su mejor trabajo, lleno de canciones redondas y de obras maestras como "Rikki dont lose that number", donde realmente las influencias son convertidas en pequeñas referencias a los más diversos estilos musicales: matices convertidos en arreglos de viento típicos del cine negro de los 50, solos de saxo a lo free jazz o guitarras fraseando en clave de blues. No obstante, como bien es conocido todo gran disco implica una gran gira, y parece ser que éste era uno de los puntos que detestaba Donald Fagen, ya que la modesta productora que sacaba sus discos sólo podía colocarlos como teloneros de las bandas exitosas del momento. Esto condicionaba muchísimo su repertorio, sin contar con que la pobre infraestructura y mala organización de los tours hacían de la experiencia de salir a la carretera una verdadera tortura.

Por todo ello, a partir de 1975 Steely Dan se convierten básicamente en un dúo de estudio, por decirlo así, ya que eran Becker y Fagen los que empleaban a diferentes músicos de sesión en las grabaciones para dar rienda suelta a su imaginería musical. Es aquí donde se terminan las giras y comienzan los "discos con músicos invitados". Además, su fama aumenta no sólo ya por la calidad de sus discos, sino por intervenir en ellos enormes figuras del jazz y por ser especialistas en descubrir a enormes talentos hasta el momento anónimos (y desde entonces consagrados por el hecho de intervenir en sus lps; músicos como Vinnie Colaiuta, Michael McDonald o los hermanos Brecker, por decir algunos,lo pueden atestiguar).

Con esos mimbres "Katy Lied" del 75 (atención al tema "Don't Take Me Alive") y "The Royal Scam" del 76 constituyen el fenomenal prólogo a "Aja" (1977), disco-espejo en el que se miraron generaciones de músicos, para que nos entendamos, algo así como el "Sgt Peppers" del jazz-fusión. Es ahí cuando el jazz-pop de Steely Dan terminó por pantentar el concepto de "música popular para adultos" (no confundir con el AOR) pues a pesar de su complejo entramado interior la nueva fórmula es accesible y contenta tanto a oyentes exigentes como a un público de oídos poco entrenados. Recurriendo a ritmos prestados del Soul y el Rythm 'n' Blues así como a letras deudoras de la literatura beat de los años 60, las armonías construidas no tienen parangón en la historia del rock. Aunque criticados desde entonces por su excesivo apego al perfeccionismo (eran capacer de repetir la misma toma cientos de veces, unos perfectos Kubricks de la música), el dúo supo combinar perfectamente música estilizada, de armonías complejas y con fuertes ligazones con el jazz y el blues.

Con "Gaucho" de 1980, continuista con la fórmula "Aja", el dúo pone fin a una etapa plena de logros para dedicarse, tanto Becker como Fagen, a sus respectivas carreras en solitario. Sin embargo, a pesar del silencio discográfico, desde su separación el público seguía recordándolos y demandándolos. Las más diversas compilaciones de éxitos de Steely Dan (Gold, Showbiz Kids,A Decade of Steely Dan, Citizen Steely Dan,etc) así lo corroboraban, hasta que por fin en 2000 retornaron sorpresivamente para dar señales de vida con "Two Against Nature".

El disco vuelve a la carga con una visión irónica de la cultura popular norteamericana en una muy bien construída colección de canciones pop con melodías tan intrincadas como pegadizas. Además, el grupo retomó los conciertos, ya que tras veinte años las cosas habían cambiado muchísimo, y así, con la banda reconstituida, el grupo se consagra como uno de los grandes grupos de jazz-rock actuando en directo de forma regular, generalmente frente a una audiencia conocedora de todos sus temas de memoria y capaz de pagar cifras astronómicas por cada una de las entradas puestas a la venta.

Tanto fue así que en 2003 repiten experiencia con "Everything must go", su último trabajo hasta la fecha, en el que proponen una telaraña rica en guitarras, teclados y coros, con una imaginación llena de recursos musicales y, como siempre, siendo precisos y versátiles.

Poco queda más que decir, simplemente recomendaros sin reservas a este enorme grupo, que no por casualidad inaugura la seccion de "Artistas infravalorados", cuyo ingenio musical construyó en la década de los 70 las melodías más confortables que se recuerden en la historia reciente de la música popular. En definitiva, ha sido una obligación relatar los méritos compositivos de estos dos músicos neoyorquinos que han sabido preservar su dignidad sin tener que adaptarse a los ritmos más modernos, pero sin duda será un deber para cualquier melómano que se precie descubrir la música de Steely Dan, por atemporal, precisamente en estos días en los que la música se usa y tira sin contemplaciones.

Amoeba Split - La cara oculta del Jazz Rock Progresivo

2008-02-28T05:24:00.000-08:00

Continuando con nuestra apuesta por la buena música (o por lo menos por aquella no adulterada en base a los mandatos comerciales, ya que eso de "buena" puede ser algo muy subjetivo), y antes de iniciar la esperadísima serie de "Artistas Infravalorados", toca esta semana hablar del grupo gallego Amoeba Split, banda no demasiado prolífica en cuanto a actuaciones en directo, y sobre todo en lo referente a las escasísimas grabaciones que existen de ellos.

Debido al hecho de que la información sobre el grupo en internet es casi inexistente, o bien por aquello de la permanente búsqueda que tenemos los melómanos por todo lo que sea extremadamente raro o dificil de conseguir, la banda se ha ido convirtiendo en uno de los objetos de deseo de muchos coleccionistas de rock progresivo, ya sea a nivel estatal o internacional, motivo más que suficiente para ponerse manos a la obra y hacer de esta reseña un aporte esencial para documentar su historia.

Por lo que conocemos, Amoeba Split se formó a finales de 2001 en A Coruña tras la separacion de Rama Lama FaFaFa, una banda con tendencias psicodélicas. A partir de entonces, el proyecto musical se encuadró dentro de lo que entendemos como rock sinfónico y progresivo, aunque con claras influencias del Sonido Canterbury (para los no entendidos, hablamos de referencias a grupos como Soft Machine -de los que por cierto teneis una reseña en este mismo blog-, Caravan o Hatfield & The North). Sin embargo, la idea original no buscaba querer sonar a ningún grupo en concreto, sino tener un estilo propio; en efecto, tras la inclusion de saxo y flauta en el grupo, la inclinación jazzistica se hizo patente, y aún sin olvidar la referencia basica de corte progresivo se fueron añadiendo con el paso del tiempo otros instrumentos como el órgano hammond, el stick o el mellotron.

Ya en 2003, encontramos que la apuesta musical se basa decididamente en un jazz rock con tintes progresivos, a caballo entre lo "canterburiano" y el jazz más clásico, siendo precisamente en Febrero de 2003 cuando registran su primera y única maqueta, autoproducida y grabada en un solo día, la cual obtiene una excelente acogida y buenas críticas tanto en círculos cercanos como en salas de conciertos de la provincia de A Coruña.

Sobre el contenido del Cd, podemos concluir que en sus treinta minutos de duración la música resulta una mezcla de jazz moderno, rock progresivo y música clásica contemporánea, con momentos en los que el dominio de pianos, guitarras acústicas y flautas dan paso a otros instantes de mayor agresividad eléctrica. Así, los tres temas incluídos, diferentes pero al mismo tiempo con un sello muy unitario y personal, constituyen una grata sorpresa para el aficionado y una buena carta de presentación del grupo, en la que las largas composiciones, rondando los 10 minutos cada una, compilan una variada gama de elementos de influencia progresiva (incluso a mi parecer con ecos minimalistas casi "genesianos"), en lo que sin duda se cuida mucho el carácter melódico. En fin, dejando a un lado la palabrería, y como sin duda no hay nada mejor que experimentar las cosas uno mismo, quien esté interesado en dicha grabación puede escuchar la demo descargándola del siguiente enlace: http://sharebee.com/65138fcb

Tras dicho trabajo, el grupo emprende un largo y tortuoso camino plagado de numerosos problemas, con cambios de formación y períodos de inactividad, en los que finalmente prima la composición de nuevos temas, la experimentación, la participacion en proyectos paralelos (caso del trío de jazz rock "Starless", formado por miembros del grupo) y la creación de espectáculos audiovisuales (algunos de ellos muy en la onda de los happenings sesenteros de Pink Floyd, con proyecciones de diapositivas, incienso y esas cosas), hasta que finalmente en 2006 se decide la entrada en estudio para la grabación de un primer disco que en la actualidad se encuentra en proceso de masterización y edición.

En fin, espero que el post haya servido para aportar mayor información o bien para compilar o actualizar la poca existente hoy por hoy en relación al grupo. Quizá sea éste el precio a pagar con los grupos underground... En cualquier caso, y en espera de la salida al mercado de su disco, dejamos aquí una breve muestra en vídeo de una actuación de Amoeba Split en You Tube: www.youtube.com/watch?v=Yv0sZQFXS8I

Que lo disfruten y hasta la próxima semana!

Pirateria y otras mentiras varias

2008-02-15T00:34:00.000-08:00

Hola parroquia:

Sí, ya sé, no hay excusas, casi un año después me veis el pelo (eso sí, los que se dejen caer por aqui, cada vez menos, por lógica) pero creo que ya va siendo hora de compartir en la maquinablanda lo que uno ve allende los mares (léase blogosfera).

Sin duda, la noticia que se lleva la palma en los ultimos tiempos es la sarta de mentiras y acusaciones demagogicas vertidas en el blog "progagainstpirates.blogspot.com", en relacion a la pirateria de discos de rock progresivo, vamos, un invento (por lo que parece ser) de amigos de las cutrebandas de neo-prog Pendragon e IQ (y véase que encima protestan los más burros de la clase, si es que...)

Y sí, habeis leído bien, "pirateria de discos de rock progresivo", vamos, como si los "millones" de compradores de discos de rock progresivo que hay en el mundo fuesen capaces de hacer un agujero en la industria del disco, que sí, abuela, tómese la pastilla... En fin, señores, vayan dandose cuenta que estamos ante un tipo de musica destinado basicamente a minorias, que somos dos y el del silbato, y que el hecho de que una persona decida compartir en su blog, por ejemplo, un ripeado de un LP no editado en CD de un grupo de jazz rock de Kazajstan (que por cierto, los hay) no supone que el artista vea mermados sus ingresos. Vamos, que lo ultimo que me faltaba por oir es que ahora compartir musica en un blog supone un desastre financiero para los artistas, tócate las narices, cuando se supone que de partida un grupo de progresivo hace musica con aspiraciones artísticas y no comerciales.

Más bien, parece que ésta es la parte del cuento que no comprenden algunos...

Hasta siempre, Kurt

2007-05-08T01:27:00.000-07:00

El mundo de las letras está de luto, de duelo absoluto se podría decir, pues el pasado mes falleció en Nueva York, tras diversos daños cerebrales despues de una caída, el gran Kurt Vonnegut, héroe de las letras americanas y uno de los grandes irónicos pensadores del siglo, propuesto en su momento incluso como candidato al Premio Nobel.

Pues sí, una gran pérdida en estos tiempos de alarmante sequía en lo que a talentos se refiere, máxime viendo su trayectoria intachable, que comenzó con su errónea catalogación como escritor de ciencia ficción, y muy a su pesar.

El autor de novelas de la altura de Cuna de gato, Madre noche o Dios le bendiga, Mr. Rosewater destacaría no obstante con su obra de referencia, Matadero cinco, posteriormente adaptada de modo brillante en la gran pantalla. Dicha obra, que relata su supervivencia tras sobrevivir al bombardeo de Dresde como prisionero de guerra en la Segunda Guerra Mundial, marcó su vida a todos los niveles. Así es, el resto de su obra sería también de un marcado carácter antibelicista aunque cargada de humor e ironía (buen ejemplo de ello es la impagable "Desayuno de los campeones" a mi entender su obra maestra, recomendabilísima) en la que carga constantemente contra su gobierno y su "american way of life", aspecto que reflejó en su última novela, "Un hombre sin patria", recientemente publicada en España (y una de las poquísimas editadas aquí,vamos a ver, ¿por qué están descatalogados la mayoría de sus libros?. Y es más ¿por qué no está traducida ni la mitad de su obra?.)

En fin, sirva este post como pretexto para recomendar a este gran escritor, de un tremendo oficio literario, que fue capaz de transmitirnos lo aparentemente sencillo con una perspectiva de estrecha intimidad con nosotros, los lectores. Así fue.

Para dárselas de entendido...

2007-02-14T01:05:00.000-08:00

Mucha gente me pregunta cómo puede hacer para no quedarse en fuera de juego cuando en una conversación sobre la historia del rock se plantean temas que desconoce.

Dicho de otra forma: a veces se generan debates en los que queremos intervenir, pero por no saber qué disco grabó X en qué año o qué formación destacó en tal o cual estilo no podemos opinar con la libertad que desearíamos. Así, nos quedamos al margen y debemos soportar durante horas interminables auténticos monólogos llenos de fechas, números y anécdotas que bien poco interesan; tan sólo son exhibiciones vacuas del interlocutor de turno. Es más, seguro que a más de uno le ha pasado que en ocasiones se llegan a inventar datos absurdos que nos llevan a asistir a una auténtica sucesión de disparates sin límite.

Bien. Hace años descubrí un artículo muy gracioso que pone al descubierto las carencias de muchos críticos o de esos supuestos entendidos que al final disponen sólo de eso, de datos, a veces de muy dudosa certeza. Del artículo se deduce que toda palabrería se reduce a encuadrar la música en épocas o estilos, que todo se encasilla y que cualquier clasificación hecha acaba siendo un burdo estereotipo.

De esa forma, he incluído en el apartado de comentarios el artículo completo para su consulta, simplemente para que al fin nos demos cuenta de que, al margen cualquier categorización, la música está hecha para disfrutarla y no para estudiarla.

Artistas Sobrevalorados - Capítulo 4: Fleetwood Mac

2006-12-22T05:51:00.001-08:00

La historia de Fleetwood Mac es la más similar en el mundo del rock a la protagonizada por Génesis, ya referida en el anterior post, pues lo que en principio era una banda de blues británica formada en 1966 luego se convertiría en una especie de banda pop californiana a mediados de los años 70, hasta su disolucion a principios de los 90.

Fue tal el cambio de músicos y estilos en Fleetwood Mac que puede hablarse incluso de tres grupos distintos, el Fleetwood de blues tradicional, el Fleetwood rock y el Fleetwood pop. No obstante, a traves de sus multiples encarnaciones, los unicos miembros originales de Fleetwood Mac que estuvieron siempre en la banda fueron el baterista Mick Fleetwood y el bajista John McVie, que justamente es la seccion ritmica que dio nombre a la banda (paradojas del destino, ya que ellos fueron los miembros que menos influenciaron la direccion musical de la banda a lo largo de los años).

El decir que Fleetwood Mac ha pasado por mucho, no contaría ni la mitad de su historia, pues ha existido fama y fortuna, pero también ha habido adicciones destructivas, líos de dormitorio y traiciones. Es más, si la banda hubiera sido un solo individuo, cualquier psicólogo haría el diagnosis de personalidades múltiples. En definitiva, pocas bandas en la historia del Rock han sufrido tantos cambios de formacion y tantos virajes estilisticos como los camaleonicos Fleetwood Mac. Veamos, por partes.

Fleetwood Mac se formó en 1967 a partir de la unión de Green, Fleetwood y McVie, quienes habían dejado los “Bluesbreakers” de John Mayall, inspirados por el éxito de Cream, los Yardbirds y Jimi Hendrix. La formación del cuarteto original la completaba el guitarrista Jeremy Spencer, y más tarde, Danny Kirwan. El aporte de Spencer y Green fue clave para que la banda desarrollara un sonido de blues psicodélico, de modo que por el perfil de estos músicos no sorprendió a nadie que los primeros dos álbumes, Fleetwood Mac y Mr. Wonderful, ambos de 1967, estuvieran cargados de blues (mención aparte merece “Black Magic Woman”, del segundo disco, escrita por Peter Green y que más tarde se convertiría en éxito de la mano de Santana).

Llegados a 1969 Fleetwood Mac empezó a dar señales de cambio, pasando del blues tradicional a un blues más progresivo. Ese paso se dio con el lanzamiento de los discos “English Rose” y “Then Play On”, disco este último que verdaderamente marcó el sentido del rock-blues progresivo. Las composiciones de Green, “Man of the World” y “Oh Well”, estuvieron en lo más alto de las listas británicas, y supusieron sus mejores trabajos: de hecho fueron cumbres compositivas que nunca más volverían a repetir.

No obstante, cuando todo parecía ir sobre ruedas, la etapa dorada de Fleetwood empezó a cambiar cuando el estado mental de Peter Green flaqueaba cada vez más, agudizado por el consumo de alucinógenos. En 1970 decidió dejar la formación, y fue reemplazado por Christine Perfect, vocalista que tenía sus seguidores en Inglaterra luego de haber cantado para Spencer Davies. Después de las salidas de Green a mediados de 1970 y de Spencer en 1971, los miembros restantes se inclinaron por hacer una música más sencilla y adecuada al gusto popular (¿de qué me sonará a mí esto?). Es en este momento cuando nace la segunda formación, de la mano como se ha dicho de Christine Perfect y Bob Welch , sin duda este último el auténtico motor que condujo al grupo por nuevos rumbos, no siempre afortunados, bien es cierto.

De esta nueva agrupación resultaron aún dos excelentes discos como “Future Games” (1971) y “Bare Trees” (1972). Los años siguientes también fueron testigos de más cambios en la banda, cuando a Fleetwood Mac se une en 1973 Dave Walker como cantante y Bob Weston, quienes ayudaron a grabar “Penguin” y “Mystery to Me” de 1974. Tras la salida de Weston, el ya cuarteto editó “Heroes Are Hard To Find” a finales de ese año, cerrando de nuevo una etapa de un modo al menos digno.

Finalmente, la tercera y definitiva versión de Fleetwood Mac se formó en 1975 cuando se integraron Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, siendo esta formación la más duradera de las tres anteriores, y sin duda la de mayor éxito comercial, pero la menos creativa y la más acomodada. Buckingham y Nicks componían música comercial e intentaban al mismo tiempo hacerla sonar innovadora, algo que lograron en muy pocas ocasiones.

En 1975 publican un disco que fue el verdadero empuje que necesitaban para transformarse en la bandera del rápidamente creciente mercado de la radio FM. El homónimo Fleetwood Mac (donde se incluyen los éxitos Rhiannon y Over My Head) era una mezcla de cinco individuos descubriendo los aspectos positivos de cada uno. Pero aunque Fleetwood Mac había logrado el éxito comercial largamente añorado, el grupo se estaba desarmando detrás de bastidores. Los McVies se divorciaron en 1976, mientras que la relación entre Buckingham y Nicks terminó al poco tiempo. Por supuesto, las historias que la prensa relataba sobre el grupo entrando y saliendo de relaciones entre ellos fue usado en el título de lo que fue, hasta ese momento, el álbum más vendido de todos los tiempos: “Rumours”. Su disco más popular llegó a vender más de 17 millones de discos ese año, y su primera cara contenía ya tres números uno: Dreams (versioneada más tarde por las inefables The Corrs), Don't Stop y Go Your Own Way.

“Rumours” fue escrito en base a las relaciones amorosas que se estaban desmoronando en ese mismo instante. El álbum es una suerte de relato pasteloso sobre los problemas del amor en medio de unos años setenta en que el amor se “liberó”. “Rumours” es probablemente por ello el fenómeno de masas más importante de la historia del rock, del que se extrajo una cosecha de éxitos sin precedentes, aunque a la vez quizá sea el disco más sobrevalorado, pues se ofrecían los puntos de vista de los hombres y las mujeres con una particularísima demagogia de andar por casa.

Detrás del disco vino una intensa gira durante la cual (como suele suceder en estos casos, cuando la euforia del momento impide ver más allá) Fleetwood Mac era considerado el mejor grupo del mundo. En efecto, aún a día de hoy el LP ha contribuido decisivamente a que como grupo Fleetwood Mac haya colocado más de 70 millones de copias de sus discos, siendo en cambio absolutamente olvidados sus prometedores inicios.

En 1979 Fleetwood Mac produjo el doble álbum “Tusk” en 1979, y aunque si bien es cierto que no vendió tanto como el LP anterior, produjo dos sencillos como “Sara” y “Tusk”, canciones en las que se notaba cómo se empezaba a generar un nuevo tipo de música, aún incluso más banal que la anterior y descaradamente comercial, orientada al mainstream sin tapujos de ningún tipo.
Luego de la gira, vino un período de descanso de tres años en los cuales se empezaron a desarrollar carreras en solitario. La más destacada fue la de Stevie Nicks, que empezó a minar la popularidad de la banda, mientras que Buckingham y Fleetwood apenas lograron darse a conocer con sus proyectos. Durante los ochenta Fleetwood Mac lanzó “Mirage” en 1982 y “Tango in the Night” en 1987. “Mirage” fue un éxito rotundo empujado por “Gipsy”, justo cuando el grupo descubre los milagros que puede generar la MTV cuando uno está de su lado. No obstante, sus componentes estaban concentrados en sus respectivas carreras individuales y no estaban interesados en seguir de gira, lo que precipitó la salida de Buckingham, Nicks y Christine McVie propiciadas por el uso y abuso de las drogas y por el inacabable desarrollo de sus enorme egos. Después de “Tango in the Night” Buckingham dejó el grupo cansado de las limitaciones musicales del grupo, dándose cuenta muy tarde que hacer el ridículo por dinero no era tan buena idea.

No obstante, en 1997 los integrantes de la tercera formación de Fleetwood Mac (las dos anteriores no interesaban al gran público y no eran rentables) al oler dinero fresco hicieron de tripas corazón y dejaron a un lado sus diferencias, reuniendose para celebrar el 30 aniversario del grupo. Para celebrar tamaño acontecimiento grabaron un especial con MTV (cómo no) titulado “The Dance”, cuyo disco llegó a lo más alto de las listas del Billboard. Por último, en 1998 Fleetwood Mac fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, además de recibir un premio por su aporte musical en los premios Brits de Inglaterra, galardones que no hacían sino poner el epitafio al grupo que tuvo el dudoso honor de componer las más lánguidas paginas del pop para consolar a las cansadas tribus del post-hippismo.

Artistas Sobrevalorados - Capítulo 3: Génesis (Era Collins)

2006-11-23T01:37:00.000-08:00

Genesis es un grupo que ha despertado odios y pasiones a partes iguales, quizá porque sus dos etapas claramente diferenciadas estilísticamente suscitan constantes divisiones entre criticos y aficionados. De hecho, podríamos haberlos incluido sin dudarlo en otra clasificación, "Artistas infravalorados", y no en la de los sobrevalorados, y aún la diferencia no estaría del todo clara. Un grupo peculiar, principalmente porque designar bajo el mismo nombre a una banda con estilos tan opuestos nunca fue buena idea, como demostró el tiempo. Veamos por qué.

Como se ha dicho hay dos etapas, casi antagónicas, en la vida de Génesis: la "Era Gabriel" (por ser su líder Peter Gabriel) y la "Era Collins" (por comandarlos Phil Collins).

En la primera etapa, Génesis fue considerada una de las referencias clásicas del género sinfónico. Surgidos a finales de los sesenta, durante la primera mitad de la década siguiente el quinteto formado por Tony Banks (teclados), Phil Collins (batería), Peter Gabriel (cantante), Steve Hackett (guitarras) y Mike Rutherford (bajo) nos dejó joyas como 'Selling England by the pound' (1973), considerado uno de los mejores álbumes progresivos de la historia, o 'The lamb lies down on Broadway' (1974), doble disco conceptual que desarrolla una historia de intensa trama existencial. Pero eso es otra historia que veremos en otra ocasión con mayor profundidad.

Génesis: los buenos. Phil con barba.

Así, tras la marcha del cantante Peter Gabriel en 1975 y del guitarrista Steve Hackett en 1977, la banda reorientó su música bajo el liderazgo de Phil Collins hacia coordenadas pop-rock, aunque en un primer momento aún con un cierto sustrato sinfónico, presente en algunos instrumentales de la época. En ese período de transición, dos álbumes como 'A trick of the tail' (1975), ya sin Gabriel, y 'Wind wuthering' (1976), el último disco con Steve Hackett, mantuvieron el tipo pero supusieron el paulatino adiós a su época dorada, paradójicamente la más creativa y brillante pero la menos reconocida en relación a la música que vendría a continuación.

Génesis: los malos, pero con más millones. Quién os ha visto y quién os ve

Collins entonces toma decididamente la riendas sustituyendo al insustituible Peter Gabriel y con '...And then there were three' (1978) hasta 'Calling all stations' (1998) comienza una serie de despropósitos musicales a cada cual más gordo, e induce al grupo a claudicar ante el mandato comercial en una bajada de pantalones sin precedentes en la historia de la música rock. En efecto, desde 'Duke' (1980) los álbumes posteriores se centraron en un pastiche pop-rock a gusto del consumidor. Sí amigos, es triste, pero la época del triunfo comercial de Genesis se desarrolló en los discos 'Abacab', 'Genesis', 'Invisible touch', 'We can´t dance', y los directos 'Three sides live' y 'The way that we walk' (I y II). Collins, quién dedicó buena parte de los ochenta a producir canciones melosas e innecesarias para el deguste de los yuppies más repelentes, trasladó su visión musical a su grupo madre y consignó la persitencia del rock como ilusión de rebeldía.

A partir de ahí, el paulatino peso de la carrera solista de Phil Collins precipitará su marcha tras la gira de 'We can´t dance'. Tras la partida del ínclito en 1996, Banks y Rutherford intentaron seguir en la brecha con el cantante Ray Wilson sacando "Calling all sations" (su disco menos inspirado, sin duda), con escasa repercusión comercial, así que deciden claudicar y poner fin a la historía.

En fin, como conclusión: es conocido que algunos músicos de los sesenta y setenta han tenido una buena vejez, y en ciertos casos incluso han mejorado sus composiciones. Algunos rebajaron drásticamente su calidad pero siguieron dignamente hacia adelante, y otros músicos (como el caso que nos ocupa) fueron mermando su estilo y nivel musical hasta límites absurdos, siendo imposible identificar la música que hacían anteriormente con lo que realizaron. Qué le pasó a Phil Collins por la cabeza para llegar a olvidarse de un pasado tan importante como batería del grupo Génesis en los setenta es algo que dista de nuestro entendimiento, ya que Phil destruyó primero al grupo (haciendo de su etapa de los ochenta totalmente prescindible) y luego se destruyó a él mismo.

¿Esto es todo? No. En los últimos días Génesis han confirmado que se reúnen en 2007 para una serie de conciertos destinados a nostálgicos, aunque repasando sólo su etapa ochentera. En fin, recemos para que no pasen cerca de aquí. Por el bien de nuestros bolsillos y nuestros oídos.

Artistas Sobrevalorados - Capítulo 2: U2

2006-11-13T01:37:00.000-08:00

Continuando con la serie que nos ocupa, vamos con 1, 2, 3, 14!, es decir, con U2, grupo irlandés de éxito mundial formado por Bono (Paul Hewson) como cantante, The Edge (David Evans) a la guitarra, Adam Clayton en el bajo y Larry Mullen a los tambores.

Para hacer un breve repaso por su carrera, señalaremos que U2 comenzaron su andadura musical en 1979 con 'Boy', disco recibido con moderado entusiasmo tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos. A finales de 1981 publican un nuevo album, October, disco que se convirtió en un relativo éxito de ventas. Estos primerizos trabajos de U2 a comienzos de los 80 contenían letras de temática religiosa y alguna que otra canción-denuncia contraria a la sociedad hipócrita de los adultos, aspecto que atrajo a no pocos fans identificados con aquellas proclamas.

No obstante, a U2 les costó muchísimo trascender mas allá de su tierra natal, y de hecho sólo se les empezó a tener en cuenta con su tercer disco, 'War', de 1983, primer disco que hablaba explícitamente del conflicto de Irlanda del Norte. Precisamente uno de sus temas bandera, 'Sunday Bloody Sunday', indicaba a las claras esta postura abiertamente política, y de ella se llegaron a vender millones de copias en todo el mundo. Rápidamente el álbum obtiene la categoría de disco de platino en muchos de los países donde es editado, lo que provoca que la banda pase de actuar en pequeños teatros a tocar en estadios para albergar a sus fieles. Aunque serían precisamente estos mastodónticos recitales los que harán que poco a poco el grupo pierda su identidad y su compromiso en favor de mensajes cada vez más demagógicos, como veremos más adelante.

Poco después editan 'The Unforgottable Fire', donde se hacía referencia como tema principal a las drogas, debido a que por esa época la heroína se había instalado firmemente en Irlanda. Con él repitieron el éxito de su anterior disco pero instaurando de verdad su estilo "marca de la casa", por aquello de los sutiles acordes y los dramáticos silencios.

A partir de ahí es cuando comienzan una inacabable tournee de conciertos beneficos luchando por toda causa noble que se les cruzase por el camino. El aspecto solidario de la banda se ve manifestado en el Live Aid de 1985, (nada que ver con el reciente Live 8) lo que les vale de trampolín definitivo para ser conocidos en todo el mundo.

Pero es en 1987 cuando se consagran con 'The Joshua Tree', disco-colección de singles a cada cual más resultón que se agotó en todo comercio habido y por haber a los dos días de salir. Ganaron cuanto premio hubo en ese año, y salieron en todas las portadas de las revistas, incluso en la revista TIME, debido ente otras muchas razones al descarado giro y acercamiento a la música norteamericana, principalmente hacia los sonidos del blues y del gospel, que les abrió para siempre las puertas del éxito en aquél país.

Al siguiente año U2 editan 'Rattle And Hum', tras el cual se toman un periodo de reflexión para decidir su futuro. La banda estaba cansada de sí misma (lógico, al seguir un patrón de canciones casi idéntico y estar promocionándolas en giras interminables), por lo que llegan a proponerse disolver el grupo. Sin embargo, deciden publicar 'Atchung Baby', en una tentativa por cambiar su estilo, donde aniquilan al viejo U2 encargandose ellos mismos de enterrarse, pasando de ser un convencional grupo rock a ser una banda de sonido puramente "industrial".

Bono entonces tuvo la genial idea de convertirse en una estrella de rock como mandan los cánones, y creó un personaje llamado The Fly (La Mosca) vistiendo pantalones de cuero ajustados, ocultando sus ojos bajo unas gafas negras y convenciéndose a sí mismo de que si ya tenía hecha la fama, había que aprovecharla del algún modo. Para rematar la faena, el ZOO TV Tour hizo el resto y se convirtió en su patrón de actuaciones hasta el día de hoy, es decir, shows efectistas en los que Bono usaba el teléfono en el escenario para hacer bromas telefónicas y hacía conexiones vía satélite mientras que en enormes pantallas se emitían imágenes de la banda mezcladas con noticias del telediario y frases subliminales. Es decir, un completo circo en lo que lo menos importante era la música...

Tras ello, siguieron con una caída en picado editando "ZOOropa", muy en la línea ultrasónica de Achtung Baby pero más experimental, extremo y oscuro que el anterior. Lo mismo que cuando editan POP en 1997, álbum que sigue de cerca la línea de la experimentación sonora incorporada desde Achtung Baby pero que igualmente se convierte en un batiburrillo de mensajes sin un objetivo claro y definido. Por supuesto, en aquel año tocó gira en forma de "Pop Mart Tour", a modo de sátira a la sociedad de consumo (pero muy cogida por los pelos) y vendida como "la gira con el escenario más grande jamás construído y con la pantalla de TV mas grande del planeta". Vamos, de una trascendencia loca y muy en su línea. Parecía que lo que se pretendía a esas alturas era que los espectadores se quedaran atónitos, no sólo por el aluvión de luces y sonido "surround" y otros aderezos, sino también por la perturbadora confusión reinante. Como ir al cine a ver una película de ciencia ficción, pero con músicos encima de un escenario.

Llega el año 2000 y a Bono se le va definitivamente la cabeza. Se decide a salvar el mundo entrevistándose con los lideres del FMI, con Bill Clinton y con el Papa si hacía falta, creando un proyecto llamado Jubilee 2000, una organizacion que buscaba abolir la deuda externa de los paises mas pobres. Mientras tanto, era posible ver un día a un cínico Bono en una gala por los niños que se mueren de hambre en el mundo y al día siguiente verlo llegar a un concierto en un avion privado que consume más de lo que 10000 niños necesitan para comer... Toda una demostración de coherencia.

A finales del 2000 llega como no podia ser de otro modo una vuelta a los origenes, cansados de tanto experimento sin sentido, con el disco "All that you cant leave behind". La banda aquí deja de recurrir a la tecnología y apuesta por un sonido mas crudo, volviendo a lo basico y a las melodias sencillas (vamos, más bien una vuelta a lo mismo de siempre). Por supuesto ganan todos los Grammys del mundo, con lo que eso supone...

Por último, el grupo graba en el 2004 "How to dismantle an atomic bomb", la enésima repetición de los mismos esquemas, y se van de gira a promocionarlo, con la sonora apoteosis del Live 8 en el 2005. En este macroconcierto, organizado por Bob Geldof a nivel mundial, el grupo ondea su bandera de la solidaridad y el compromiso social, y claro, Bono en su salsa aprovecha para protestar por la vergonzosa situación del continente negro y que si tal y que si cual. Pero en ninguna estrofa cantó que su fortuna equivale a toda la deuda externa de Ruanda, así que la gente siguió aplaudiendo y aquí paz y después gloria. Vaya por Dios, se le olvidó en ese momento de euforia... Únicamente con la gira de Vértigo, U2 recaudó 185 millones de dólares, la misma cantidad de ingresos anuales de Burundi. Pero claro, los mecenas de las causas altruistas siguen con sus mansiones en Dublín, y el que venga detrás que arree.

A finales del mismo año, y para rematar la faena, la banda ingresa en el Rock and Roll Hall of Fame y el encargado de presentarlos es.... Bruce Springsteen (si es que no podía ser de otra forma, estaba claro), quien luego los acompaña durante la cancion "I still haven't found what I'm looking for". Gloria y honor a borbotones para una banda cuyo gran mérito (no al alcance de todos, bien es cierto) es haber sido capaces de convertir los temas más sosos y triviales en superéxitos.

Artistas Sobrevalorados - Capítulo 1: Bruce Springsteen

2006-10-30T05:33:00.000-08:00

Bruce Sprinsteen es conocido por muchos como "The Boss", el jefe del rock, el gran maestro de ceremonias de conciertos plenos de fuerza y garra que dirige a la E-Street Band, grupo modelado a su imagen y semejanza y que funciona perfectamente engrasada aún a día de hoy para deleite de sus fans. Bueno, bueno. Hagamos historia.

En su momento, algunos críticos aclamaron a Bruce como el salvador del rock & roll, como el solista que conjugó el rock de los 50, la musica de los 60 y la crudeza de los 70. Se le mencionó como el nuevo poeta urbano, capaz de componer canciones de la complejidad de un Dylan (calificativo que sin duda le viene muy grande), y con conciertos que estaban cerca de convertirse en ceremonias llenas de fanáticos ávidos de música musculosa.

Pero no nos engañemos. Vamos a rascar un poco en el mito para ver que no es oro todo lo que reluce. Springsteen llegó al rock & roll como un adolescente que tocaba en mediocresbandas de rock de mediados de los 60, combinando el rock garaje y el clásico formato detrío de blues rock. Durante un tiempo, a principios de los 70, incluso intentó ser un cantante de folk, casi un cantautor (como cambian las cosas), pero con nulo éxito.

A mediados de los 70, cuando comprobó que debía convertirse al rock y dejar de una vez las guitarras acústicas, ya habían aparecido músicos de rock que estaban pegando fuerte con un sonido muy parecido al que tendría Bruce después (qué casualidad), como Bob Seger, con lo que Springsteen parecía más un miembro de ese genero ya establecido que el creador y renovador del mismo, como luego machaconamente se nos intentó hacernos creer. Vamos, que llegó cuando todo el pescado estaba vendido y con multiples enemigos que vencer: es más, sólo despuntaría luego (en ventas, no en creatividad) cuando sus competidores habían dejado la música para vivir de las rentas...
Así las cosas, y para rescatarlo del olvido, fue dirigido en 1975 por la maquina publicitaria de una gran compañía de discos, Columbia, siendo percibido como "hype" ("promoción exagerada") por una parte significativa del público, así como por los medios. Springsteen aterrizó en las portadas del Times y del Newsweek, pero ambas revistas cubrían sólo el fenómeno, no la música. El álbum de Springsteen, “Born To Run”, llegó a ser un hit, pero NO OLVIDEMOS que Bruce saltó a la arena como una campaña de marketing, y la mayoría de los fans fueron atraídos más por la campaña de prensa que por sus discos y espectáculos (hecho demostrado y demostrable).

Que te han pillao con el carrito del helao...

A partir de ahí, y con el camino ya allanado, para colgarse de un forma facilona los galones llega el patriótico “Born In The USA” (Junio 1984) bombazo que le llevó a un tour internacional de más de dos años. Del álbum se sacaron más de siete singles que fueron éxito absoluto y vendió sobre diez millones de copias, poniendo a Springsteen en los cielos del pop junto a Michael Jackson y Prince (vaya, otro buen ejemplo de musicos excesivamente reconocidos por el gran público y la industria...).

A finales de este 1993, escribe y graba sin duda el tema más pesado, soporífero y aburrido de la historia de la música pop, "Streets of Philadelphia", para la banda sonora de la película “Filadelfia”, tema que llega de inmediatamente a lo más alto de los Top Ten en 1994, ganando el Premio de la Academia como Mejor Canción y vencedor de los Grammy (premios que, como todo el mundo sabe, son dirigidos y adjudicados por las grandes compañías del entretenimiento, y que no son en absoluto poseedores de prestigio alguno ni son sinónimos necesariamente de una calidad contrastada).

En definitiva, podriamos estar horas y horas hablando de lo que parece ser, pero no es. Sin dudar de su valía como showman para conciertos de estadio, Bruce Springsteen ha sido más un músico carismatico y con don gentes que un verdadero creativo, con la enorme fortuna de contar con una gran compañía que ha ido respaldando a lo largo del tiempo alguna que otra canción afortunada. Y ya se sabe que, en música, lo que dura en el tiempo (aunque sea artificialmente) se convierte en clásico...

Artistas sobrevalorados

2006-10-30T00:49:00.000-08:00

Seguro que a más de uno le ha ocurrido alguna vez. Estamos viendo un cuadro, leyendo un libro o escuchando un disco de éxito, y nos preguntamos ¿Cómo le puede gustar esto a tantisima gente? ¿Seré yo el que está equivocado? ¿O es que nos quieren vender algo que no es como nos lo cuentan?.

No os preocupeis, estamos ante el "síndrome de los artistas sobrevalorados", aquellos que por una razón u otra (aparecer en el momento oportuno, contar con la promoción adecuada, polemizar o llamar la atención con escándalos, es decir, nunca por motivos puramente artísticos) llegan a ocupar el sitio de otros que seguramente serían merecedores de mayor reconocimiento.

En los próximos días pasaremos a ver algunos de esos casos, tratando de ser lo más objetivos en un tema que, seguro, traerá cola...

Nueva y sorprendente tecnología

2006-10-18T00:28:00.000-07:00

Aquí estamos de nuevo para expandir nuestras mentes con una noticia cuanto menos intrigante:

Un grupo de ingenieros irlandeses de la compañía Steorn han encontrado una nueva tecnología que genera energía gratuita, limpia y constante; Vamos, vamos, que si es cierto lo que dicen se caga la perra y esto es mejor invento que la rueda o la imprenta.

Eso significaría no tener que recargar nunca el teléfono ni volver a llenar el depósito de gasolina del coche, es decir, un mundo con un suministro infinito de energía limpia para todos. Según se aclara, la nueva tecnología ha sido validada de forma independiente por ingenieros y científicos, (aunque siempre de modo extraoficial) y siempre demostrando que funciona.

No sé, pero estas cosas dan qué pensar, y mucho... Se agradecen sobremanera los comentarios de gente con conocimientos en termodinámica, a ver si nos aclaran un poco el tema a todos y vemos su funcionalidad. Más info: http://www.steorn.net/

El libro Gordo de Petete

2006-09-26T02:10:00.000-07:00

Un alto en el camino!

A petición de Tesorito, y para que todo el mundo participe, vamos a hablar hoy de los misterios de un libro que marcó una época en nuestra infancia: El libro Gordo de Petete. Todos lo conocemos, pero ahora me pregunto yo, ¿qué era exactamente?. Hay varias opciones:

-Una enciclopedia, dirán algunos. Sí, llegó a tener seis tomos.
-Una revista, dirán otros. También, más de cien números, tipo Muy Interesante para niños (y carísma, por cierto, recuerdo ahorrar para comprarla todas las semanas y no me daba ni para la portada) Ah, adjuntaba un librito de "Clásicos de la Literatura".
-Un programa de TV, se dice. También es verdad, precursor del "vamos a la cama" y similares, con una audiencia increíble, lo que llevó al creador del monstruíto, el almeriense Manuel García Ferré, a lanzar una increíble colección de muñequitos, camisetas y demás merchandising con el que se forró de por vida...

Pero vuelvo a preguntar, ¿y el "Libro" dónde está?. Porque lo más parecido al libro que hemos visto era un tomo de cartón piedra que salía en los decorados del fondo del programa...

En fin, nos despedimos de la única manera posible: El Libro Gordo enseña, el Libro Gordo entretiene, y yo te digo contento, hasta la semana que viene!!!

Los Basureros de Los Ángeles

2006-09-25T04:02:00.000-07:00

Hoy vamos a hablar de un grupo musical no demasiado conocido aunque precursor en muchos aspectos: Los Basureros de Los Ángeles. A mis manos llegó hace años uno de sus trabajos y desde entonces sin desmayo he intentado documentarme y adquirir más material grabado de estos chicos, aunque la verdad es que es ciertamente difícil conseguir sus obras, pues estamos hablando de material no editado oficialmente, tan sólo disponible a través de canales underground.

Cuál no fue mi sorpresa cuando, por medio de un gran amigo mío, los llegué a conocer un día en persona, y lo único que puedo decir es que su genio musical se ve superado por su don de gentes. Cordiales y muy amables, el trato que recibí por su parte en los minutos que pude hablar con ellos me demostró que no se les ha subido a la cabeza su éxito, al contrario, certificaron que (como los grandes artistas) la humildad es la plataforma de los maestros. Desde entonces, les prometí que algún día daría a conocer su obra, la cual por fin paso a relatar.

La apasionante historia de Los Basureros de Los Ángeles comenzó en el momento en que a David Mastretta y Alberto Bergnami se les ocurrió emprender en 1998 una carrera artística con el objetivo del propio divertimento personal. Sin embargo, lo mejor o peor de todo (según se quiera ver) es que también quisieron compartir tal inquietud con el resto de los mortales, con lo que dicho divertimento personal se transformó con el paso de los años en tortura colectiva para unos y en incontenible deleite para otros. Trataremos de explicar en estas líneas tamaño fenómeno sociológico que intriga a muchas personas.

En primer lugar, quizá la respuesta a dicho misterio sean sus bases musicales. Fueron y siguen siendo más bien pobres, nutriéndose en un principio de géneros tan dispares como la música disco, la pachanga, los añejos cantares sefardíes, la copla o el vodevil; así pues, no es de extrañar que sus composiciones aún ahora no tengan ninguna lógica ni estilo definido. Los temas más bien son un conglomerado de influencias diversas, como lo son asimismo la temática lírica de la que hacen gala... pero sin embargo, poco a poco e inexplicablemente fueron surgiendo de su ingenio atípicas obras maestras que permanecen todavía hoy en día incomprendidas por algunos.

Los interfectos en cuestión, en una de sus escasísimas fotos oficiales

Para intentar reparar tal error histórico, y fruto de maratonianas sesiones de grabación, surgió en el año 2000 su primer disco, llamado "No se puede aguantar", que constituyó un gran éxito iniciático con canciones como "Yo de nasí", "Alabaré", "A vida é así" o "Voyager 5". Entre un reducido aunque entendido grupo de personajes se corrió el rumor de que aquellos temas eran cuanto menos de cierta calidad, por lo que empezaron a llover los pedidos a su casa discográfica, Vertedero Records, y con ellos las buenas críticas. Llegados a ese momento Los Basureros de Los Ángeles se dieron cuenta que lo único que faltaba era un baño de masas en condiciones, y así en Abril de 2001 ofrecieron su primer, único y mítico concierto en un pase para la prensa sin igual.

Las incesantes alabanzas de los medios de comunicación y la llegada a las listas de éxitos en Botswana, Puerto Príncipe o Islas Feroe (donde sorpresivamente lograron el número 1) provocaron la grabación de un nuevo Cd, así como la reedición y remasterización de su primer disco con extras incluyendo fotos, Mp3, letras y un largo etcétera. Estaba claro que el próximo bombazo debía conseguirse pronto, y en 2003 editaron "Va por ustedes" (un agradecido mensaje a sus fanes) trabajo en el que desarrollaron un impresionante despliegue técnico y humano con la grabación de sus creaciones en sistema analógico-digital, innovador método concebido en los Estudios Rico con en el que por fin destaparon el frasco de las esencias. Muchos de los temas de este disco se convirtieron en inmediatos clásicos por su enorme calidad: ahí tenemos por ejemplo las románticas “Pienso de que sí” y “No es posible que esto se termine”, las veladas críticas al sistema como “Bienestar” o los potenciales singles como “No me toques los Jueves” y “When people is flying in the street” (merecedores sin duda de ocupar el Top Ten en cualquier país) sin olvidar una pequeña referencia a sus orígenes en la formidable “Basurilla” y cómo no, “Coruña”, poesía urbana en su máxima expresión.

Sólo queda decir que sin duda Los Basureros de Los Ángeles, con su buen hacer y profesionalidad, se han convertido en todo un referente para la música popular actual, llegando a imponer un estilo propio (se habla ya de música basureriana como seña de identidad) algo que desde luego está al alcance de muy pocos. Ése es el secreto de estos soberbios músicos, y ésa es la explicación de su grandeza: bravo por ellos, ojalá que sigan ofreciéndonos más música excelsa, los necesitamos.

(NOTA: Para para adquirir sus obras se me ha facilitado gentilmente la siguiente dirección de email: losbasurerosdelosangeles@hotmail.com, a través de la cual se servirán a los interesados los pedidos de sus discos por riguroso orden de llegada).

Cómo realizar un Comentario

2006-09-25T03:05:00.000-07:00

Ante el aluvión de preguntas referentes a cómo participar en este blog y realizar un comentario, voy a explicar paso a paso cómo se hace, es muy fácil, atención chavalotes/as:

- Al final de cada Post (artículo, noticia, etc) está la palabra COMMENTS, se pincha en ella.

- Aparece una ventana auxiliar, en la que se indica "Haga un comentario". Debajo del recuadro de texto se posibilita "Elegir una identidad". Marcamos "anónimo" (así nadie tiene por qué revelar su nombre, aunque no cuesta nada echar una firmita, si os parece) y después pinchamos "Acceder y publicar".

- Escribimos lo que nos parezca (con cierto criterio) y al fin pulsamos "Publicar su comentario".

Entonces pasamos a la posteridad y ya queda grabado a fuego en el blog.

Por último, nos felicitamos a nosotros mismos y nos damos besitos en la cara por lo bien que lo hemos hecho... De nada.

El origen de la máquina. Capítulo 2

2006-09-20T23:28:00.000-07:00

Entonces, vamos al grano...

Ya sabemos lo de Burroughs, el autor capital de la Generación Beat (quien aún no se haya leído el libro aún está a tiempo), pero falta el componente musical en forma de "Soft Machine" -vamos, traducción directa de la obra- grupo inglés, en inicio psicotrópico, de los años 60.

La historia dice que los animaliños pidieron previamente al escritor, mediante conversación telefónica, su aprobación y consentimiento para ceder el uso del título del libro ya referido como nombre del grupo, algo a lo que accedió Don William, quién sabe si por estar en otra dimensión espacio-temporal o porque realmente le importaba bien poco lo que hicieran unos tarados ingleses con sus textos.

Claro, lo que no sabía es que los pobres se iban a convertir en uno de los grupos de referencia del jazz rock mundial, quizá los que con mayor determinación definieron el género, siendo todavía hoy banda de enorme influencia para musiquillos y musicazos, que de todo hay en la viña del señor.

Soft Machine (El grupo) - Que nadie sonría, que perdemos credibilidad...

Aunque lo más interesante de todo son sus orígenes como banda, ahí te quería yo ver. Dejando de lado lo del nombre, que ya está claro, los miembros del grupo comenzaron a experimentar allá por el año 1966 con el art rock, el jazz y la psicodelia, y se les ocurrió la idea de hacer música para la mente en lugar de hacer música para el cuerpo. Los iluminados que se reunían semanalmente en Canterbury (England) para hacer música eran Robert Wyatt (Batería y voz) Mike Ratdlege (teclados), Kevin Ayers (bajo) y Daevid Allen (guitarra), y de hecho en sus inicios fueron feroces competidores de Pink Floyd como reyes del underground, ahí es nada.

Tras telonear a Jimi Hendrix en su gira de 1967 por EEUU (estos tíos se codeaban con lo más granado de la época) pasaron a grabar su primer disco, titulado "Volume 1", semilla fundacional de la llamada "Escena de Canterbury", como trío y ya sin Daevid Allen. Sólo por unos pocos meses en 1968, Soft Machine volvio a ser un cuarteto con la incorporación del futuro miembro de The Police, el guitarrista Andy Summers, aunque este no llego a acoplarse al grupo, que rapidamente volvio a ser un trio.

En los siguientes conciertos de la gira de 1968 se llamó a un viejo amigo de Wyatt, Hugh Hopper, bajista notablemente mejor que Kevin Ayers y con el que grabaron su segundo album "Vol. 2" (1969), sumergiendose definitivamente en territorios jazzy para irse alejando poco a poco del pop. El órgano distorsionado de Ratledge asi como la imaginativa forma de tocar la bateria de Wyatt y sus vocalizaciones con ecos y delays se constituyeron en elementos claramentes demostrativos de lo que era la banda, encerrándose a veces en un surrealismo algo inaccessible para la audiencia convencional del pop/rock de la epoca.

En su tercer LP "Third" de 1970 (no eran muy originales en eso de poner títulos, no), los ejercicios instrumentales estaban al orden del día, eran ya un grupo decididamente jazzero y seguían la onda del "Bitches Brew" de Miles Davis, aunque europeizándolo. Durante la gira de presentación incluso usaron una sección completa de metal pero, como no podían pagarla, sólo el saxofonista Elton Dean (recientemente fallecido, y que inspiró el nombre a Elton John) se quedó con ellos.

Tras grabar en 1971 un cuarto álbum, titulado "Fourth" (cómo no) se produjo la marcha del baterista Robert Wyatt, y el grupo comenzó su lento declive. Sin su humor irónico ni su voz, Soft Machine se limitó a cumplir el expediente hasta llegar a ser una burda caricatura de sí mismos. Por su parte, Ratledge y Hopper mantuvieron a la banda funcionando de la mano de otros musicos, siempre ligados al caracter libre y de fusion de sus integrantes originales, aunque poco más tarde en 1973 Hopper abandonó la banda y Ratledge, el ultimo miembro original, decidió irse en 1976.

Poco queda más que decir, para los interesados en el sonido Canterbury (recomendabilísimo para expandir fronteras musicales y abrir poros espirituales) pueden consultar la excelente página http://calyx.club.fr/index.html, que bien podría haberse llamado "Todo lo que siempre quiso saber sobre la Escena Canterbury y nunca se atrevió a preguntar".

En fin, creo que puestos en situación, después de estos dos capítulos introductorios, este blog ya puede empezar a volar con criterio. Sólo queda vuestra participación, y que sea lo que Dios quiera...

El origen de la máquina. Capítulo 1

2006-09-19T05:42:00.000-07:00

Sí, ya, pero ¿cómo empezó todo, quién es el responsable del nombre de este blog?

Por supuesto, es William Burroughs con su obra "La máquina Blanda", libro amalgama de selenitas, drogadictos, policías, viajes en el tiempo y orgías varias. Y todo en un transfondo de delirantes fantasías rebeldes acerca del orden establecido y sus mecanismos de control.

En distintas imágenes alocadas, el texto de Burroughs sacude los sentidos y nos fuerza a interpretar libremente sus palabras. En resumen, es una reflexión sobre cómo el ser humano se ve condicionado por la "máquina blanda" que es su cuerpo, de cuyas debilidades se aprovechan las clases dominantes a fin de asegurar el control social.

En su momento, se dijo que el libro era "una crítica absolutamente devastadora de todo lo que es falso, primitivo y vicioso en la vida norteamericana de hoy: los abusos de poder, el culto al héroe, la violencia sin motivo, la obsesión materialista, la intolerancia y toda forma de hipocresía.. "
Posiblemente, pero quizá sea eso y mucho más. Cuidado: libro no apto para todos los gustos ni para todos los estómagos (quien haya leído "El almuerzo desnudo" lo entenderá) de esos en los que la trama es aparentemente inexistente, para resultar ser un destroza-meninges total.

Críptico y denso, pero al fin revelador. Compensa el esfuerzo de desenmarañar su contenido, os lo aseguro. ¿Alguien se atreve a dejar su opinión?

Primer intento

2006-09-19T04:23:00.000-07:00

Saludos, visitante!

En el día H y a la hora D tengo el gran honor de inaugurar este blog, previsible cuna de músicos, literatos, cinemaníacos y raritos en busca de más emociones que las acostumbradas en otras casas de la blogosfera. Poco a poco, entre opiniones, reseñas y recomendaciones vamos a ejercitar esa máquina blanda que tenemos todos en el cerebro, a ver si dejamos de ser los más ricos del cementerio. Mañana, primer episodio.